Mostre in città

Da lunedì a venerdì 10:00 - 13:00 e 15:00 - 19:00

Mostra personale di François Morellet
In occasione dei trent’anni di attività della galleria, A arte Invernizzi inaugura con la galleria Annely Juda Fine Art di Londra una importante mostra antologica di François Morellet (1926-2016), uno dei più significativi artisti internazionali del XX secolo, realizzata in collaborazione con Estate Morellet. L’esposizione antologica, costituita da più di quaranta opere, è articolata in un duplice percorso parallelo che si snoda attraverso le due gallerie: spazi espositivi nei quali l’artista ha realizzato numerose mostre personali e interventi, in lunghi e fecondi decenni di collaborazione; in sei occasioni da Annely Juda Fine Art di Londra, dove l’artista ha esposto dal 1977, e in otto circostanze da A arte Invernizzi di Milano, la prima delle quali nel 1994 proprio in occasione della mostra inaugurale della galleria (Dadamaino Morellet Uecker), di cui ricorre quest’anno il trentennale.
A arte Invernizzi location
Da martedì a sabato 15:00 - 19:00

Secrets
La prima mostra personale in Italia della giovane artista ungherese Luca Sára Rózsa dal titolo “Secrets”, a cura di Domenico de Chirico. Proseguendo il percorso intrapreso da ormai circa vent'anni, al fianco di maestri internazionali del Novecento legati alle Neoavanguardie, avviato ab origine nella sua tradizionale e storica galleria genovese, ABC ARTE apre adesso le porte della più recente sede meneghina, chiamata ABC-ARTE ONE OF, a giovani artisti provenienti da tutto il mondo, dal Brasile al Congo, passando per la Francia, l'Ungheria, gli Stati Uniti e così via. Inaugura il nuovo ciclo espositivo variopinto è “Secrets”, mostra personale di Luca Sára Rózsa, nata nel 1990 a Budapest, città in cui ancora oggi vive e lavora, che, attraverso queste opere inedite, realizzate mediante un sapiente utilizzo sia di olio su tela sia di inchiostro e tempera su carta, analizza il complesso significato della vita umana nel tentativo di realizzazione della propria individualità. Appellandosi al ciclo eterno della vita, Rózsa ripercorre le tappe dell'iconografia cristiana in cui figure enigmatiche si bagnano, si abbracciano, si nutrono o riposano, assumendo pian piano le sembianze di mammiferi. Una ciclicità della vita da intendersi come uno spazio di eterno infinito, laddove non esiste un prima e un dopo, ma solamente un hic et nunc che non esita a fondersi amabilmente con la natura.
ABC-ARTE location
Da martedì a domenica 10:00 - 17:30

Un mare di carta
Un mare di carta è la prima mostra personale a Milano dell’artista Valeria Manzi e offre una particolare combinazione linguistica tra poesia, grafica e design. La mostra presenta la produzione di particolari oggetti-scultura dalle dimensioni variabili, realizzati con diversi supporti cartacei e posti all’interno di un percorso in cui la performance e l’installazione producono una particolare contaminazione tra suono-parola, gesto-materiale e documento video.
Acquario Civico location
Da lunedì a giovedì 10:30 - 20:00. Sabato e domenica 10:30 - 20:00

Feeling good. Caimi design per il futuro
ADI Design Museum – Compasso d'Oro presenta un progetto culturale dedicato al marchio lombardo Caimi che, a 75 anni dalla sua fondazione, riflette sul suo metodo di lavoro, lo aggiorna e lo propone come modello di sviluppo per il prossimo futuro.successo da tre generazioni, nel quadro di settantacinque anni di cultura del progetto e di vita sociale in Italia. “Feeling Good. Caimi design per il futuro” è un’esposizione non celebrativa, un focus narrativo su un metodo di lavoro che è il vero DNA dell’azienda, che aspira a tracciare una linea a tendere, non guarda al passato, ma disegna un nuovo percorso, per continuare a contribuire al sistema design Made in Italy. Curata da Aldo Colonetti, filosofo, storico e teorico dell’arte e del design, e dall’architetto e ricercatrice Valentina Fisichella, la mostra offre ai visitatori un percorso articolato in ambienti sinestetici che ospitano oggetti, video storici, opere d’arte, prodotti, documenti e disegni. Il progetto di allestimento dell’architetto Matteo Vercelloni, che dà molteplici dimensioni e forme all’esperienza di mostra, insieme alla multimedialità e live performance del collettivo Ex Anima, arricchiscono il momento di visita di significati e livelli di interpretazione; restituendo la contaminazione tra disegno industriale e arte, il rapporto sinergico tra scienza e design e il riformismo progettuale, firma di Caimi. Fin dalle sue origini infatti l’azienda opera con coerenza e metodo all’interno di un progetto riformista, riflettendo in termini non ideologici o rivoluzionari attorno ai grandi temi che caratterizzano la contemporaneità del nostro mondo. Il progetto infatti, al di là di prodotti e documenti, è una storia di idee, illustrate, oltre che nella mostra, in un libro e in un podcast dedicati ai temi e agli attori della storia del marchio: imprenditori, designer, ricercatori, artisti, comunicatori. Attraverso gli interventi dei curatori e dei protagonisti, con le caratteristiche di un saggio, il libro inserisce l’evoluzione del marchio e la sua storia familiare, ininterrottamente condotta con successo da tre generazioni, nel quadro di settantacinque anni di cultura del progetto e di vita sociale in Italia.
ADI Design Museum location
Da lunedì a giovedì 10:30 - 20:00. Sabato e domenica 10:30 - 20:00

ORIGIN OF SIMPLICITY. 20 visions of japanese design
L’essenzialità delle forme, la cura estrema dei particolari, l’originalità di ciascun pezzo pur nella continuità della tradizione, coniugate oggi a una ricerca tecnologica e ingegneristica che sviluppa nuovi materiali e il riciclo di quelli di scarto, sono peculiarità che rendono il design giapponese un’icona internazionale. La mostra “ORIGIN of SIMPLICITY. 20 Visions of Japanese Design” è uno sguardo trasversale tra design e artigianato per comprendere le origini del concetto di semplicità, ora declinabile come vuoto (ku), spazio o silenzio (ma), talvolta leggibile come povertà (wabi) e consunzione legata all’uso nel tempo (sabi), altre come asimmetria, non definitezza e imperfezione, concetti che hanno radice in diversi pensieri filosofici appartenenti a questa cultura: dal buddhismo zen al pensiero animista shintoista, quasi opposti alla razionalità occidentale. Una ricerca inedita ideata dalla curatrice Rossella Menegazzo, esperta di storia dell’arte e cultura giapponese dell’Università degli Studi di Milano, con progetto grafico e di allestimento del designer e curatore nipponico Kenya Hara, che ha concepito il percorso di mostra come una foresta dove passeggiare. Ogni albero raggruppa le opere che sono espressione di una stessa qualità, accostamenti inediti di lavori di diversi designer e artigiani, attraverso cui il tema della semplicità viene declinato attribuendo parole chiave che aiutano la lettura. In mostra sono presenti oltre 150 opere, molte mai presentate prima in Italia, progettate dai nomi più rappresentativi del design moderno e contemporaneo, che hanno segnato la storia del design giapponese a partire dagli anni Sessata del Novecento, ma anche esponenti delle ultime generazioni, meno note al pubblico internazionale. Tutti gli oggetti scelti sottolineano la sapienza artigianale, che al design ha tradizionalmente unito tecniche, materiali e forme tramandate di generazione in generazione, attraverso botteghe, laboratori storici e maestri considerati “tesori nazionali viventi”, intangible heritage. Una sapienza secolare che rivela una predilezione per i materiali naturali – legno, carta, metallo, ceramica e tessile – e una sensibilità verso le caratteristiche di ciascuno di questi, rendendo fluida la distinzione fra prodotto di design o d’arte.
ADI Design Museum location
Da lunedì a sabato 10:00 - 13:00 e 15:00 - 19:00

Figure femminili
Il classico grande tema della "figura femminile" esplorato attraverso una speciale e accattivante selezlone di manichini e sculture italiane ed europee dal XVI° al XX° secolo, realizzate nei più diversi materiali come il legno, la cera, il marmo e il bronzo. Un breve percorso animato da opere tridimensionali che, muovendosifra l'universo del sacro e del profano, vuole mettere in luce alcune delle infinite soluzioni formali ed iconografiche, elaborate dagli artisti nel corso degli ultimi cinque secoli, neltentativo di rappresentare in modo personale uno dei soggettl artistici più antichi e ricorrenti come quella della donna, in un equilibrio spesso sottile e sofisticato fra rispetto della tradizione e ricerca di una inedita modernità.
Alessandro Cesati location
Da lunedì a domenica 10:30 - 21:00

Navigare Fuori dal Tempo
Il progetto è una rivisitazione in chiave moderna dell’Odissea di Omero. Un viaggio che ripercorre idealmente le avventure epiche di Ulisse, attraverso gli occhi di due artiste internazionali.Anna Pennati dal successo delle mostre a Francoforte e Tokyo. Daniela Gullotta già artista di Marlborough Fine Art di Londra. Dipinti e sculture in una mostra curata da Luca Temolo Dall’Igna, in un progetto inedito che, da Almach Art Gallery Milano terminerà nella prestigiosa sede di Tiers Gallery Tokyo. In occasione di Milano Art Week, apertura straordinaria serale della mostra ed interviste agli artisti in diretta.
Almach Art Gallery location
Da mercoledì a domenica 14:00 - 19:00

Project Room #9 Marta Pierobon e Forniture Pallotta
A partire dagli studi e i prototipi dell’artista e fashion designer di origine belga sull’ampio tema della tavola apparecchiata le due artiste e food designer mettono in scena un rito affettivo e intimo in cui la convivialità è intesa come un’attitudine libera e fluida di connettersi agli altri. Una cena ideale i cui cinque invitati seduti attorno a un tavolo diventano attori e spettatori di una scena in cui sono gli oggetti inanimati, le ceramiche di Pierobon, e le sculture edibili, di Alessandra Pallotta, diventano dispositivi per innescare coreografie inaspettate. Tra il contenitore e il contenuto di ciò che è disposto sul tavolo la soglia è sempre labile: piatti-dipinti, bicchieri-bocche, cipolle-catene, mani-posacenere formano un tutt’uno con i corpi che li consumeranno.
Archivio Atelier Pharaildis Van den Broeck location
Da lunedì a domenica 10:00 - 18:00

A Milano. Emilio Scanavino. Opere e documenti degli anni ’50.
A Milano. Emilio Scanavino. Opere e documenti degli anni ‘50 propone in mostra materiale documentativo originale che racconta l’attività dell’Artista a Milano dai primi anni ‘50 e una selezione di disegni, ceramiche e opere di quel periodo.
Archivio Scanavino location
Da martedì a domenica 11:00 - 18:30

Tra me e te l’alfabeto inesistente. Ottonella Mocellin e Nicola Pellegrini in dialogo con Vincenzo Agnetti
Il progetto, a partire dal concetto di pausa e dalla dicotomia assenza / presenza, sviluppa una riflessione sull’intervallo. Il silenzio tra due suoni, lo spazio tra le lettere che compongono un testo, il vuoto tra gli oggetti che popolano una casa, diventano soglie di cambiamento. Mocellin e Pellegrini hanno scelto i lavori di Agnetti con cui entrare in dialogo e, in relazione a questi, hanno concepito la mostra. Vi trova spazio una performance a più voci, utilizzando anche i suoni del Neg (il pausometro) brevettato da Agnetti nel 1970), due video sul rapporto assenza-presenza, e infine quadri e disegni su questi stessi temi. Alcuni sono lavori inediti creati appositamente, altri sono storici, tutti sono pensati come serie di alfabeti in grado di restituirci il senso profondo della pausa.
Archivio Vincenzo Agnetti location
Da mercoledì a sabato 14:30 - 18:30

Un letto di frasche

ArtNoble Gallery è lieta di presentare Un letto di frasche, seconda mostra personale presso la galleria di Giulia Mangoni (b. 1991), con un testo di Valerio Panella. La mostra Un letto di frasche raccoglie l’ultima produzione pittorica di Giulia Mangoni, artista italo-brasiliana che dopo numerosi anni all’estero, decide di tornare a vivere e lavorare a Isola del Liri (Fr). Cinque tele di grosse dimensioni che riflettono sul rapporto uomo e natura, tra il fiabesco e il reale, saranno accompagnate da interventi materici che invitano al riposo, e richiamano l’attenzione verso un paesaggio e una realtà rurale.
ArtNoble Gallery location
Da mercoledì a domenica 16:00 - 22:00

Dove albero è foresta
Pietro Panza sin dal suo primo progetto artistico (Abitare la Terra - 2022) stabilisce una ricerca posta in un flusso di coscienza personale, dove esprime una narrazione di carattere filosofico. Autodidatta da un intimo inconscio di echi del ‘900, sperimenta un dialogo tra pittura e scultura in un complesso legame materico. Un lavoro dove riaffiorano le sue radici e la percezione del mondo respira tra la materia delle opere come principio archetipo. Una riflessione a confronto con l'ambiente pensato anche come processo formale, politico, storico e sociale. Una relazione tra arte, natura e tecnica in una "terra incognita planetaria" con la quale ci dobbiamo riconcettualizzare anche in chiave etica-antropologica.
Associazione Tramateriarte location
Da lunedì a venerdì 09:00 - 11:00 e 15:00 - 16:00 e 17:00 - 18:00. Sabato e domenica 10:00 - 13:00 e 15:00 - 18:00

Esposizione opere BG Art Gallery

Presso il BG Training&Innovation Hub (Via Achille Mauri, 8, 20123 Milano MI) sarà possibile visitare una selezione di opere della collezione d’arte contemporanea di Banca Generali e la nuova opera di Francesco Vezzoli.
BG Training&Innovation Hub location
Domenica 11:00 - 20:00

David Horvitz: abbandondare il locale
Abbandonare il locale è la prima mostra monografica in Italia dedicata a David Horvitz. Nato a Los Angeles, ironico e poetico, Horvitz utilizza una disparità di media - dalla fotografia alla performance, dai libri d'artista al suono, dalla gastronomia alla mail art – per riflettere sulla distanza tra luoghi, tempi e persone e per testare le possibilità di allentare o annullare qualsiasi distacco. All’interno degli spazi di BiM, ambizioso progetto di rigenerazione urbana nel quartiere Bicocca, Horvitz espone oltre 20 opere, ripercorrendo quasi 20 anni di carriera, assieme a testi inediti, oggetti trovati ed elementi architettonici che offrono una reinterpretazione dell’etica e dell’estetica dei luoghi di lavoro lasciando intravedere possibili vie di fuga e costruendo immaginari alternativi.
BiM Milano Bicocca location
Da martedì a sabato 10:00 - 19:00

Italian Hidetoshi Nagasawa 1969-2018
BUILDING è lieta di presentare, dal 4 aprile al 20 luglio 2024, una mostra personale di Hidetoshi Nagasawa, a cura di Giorgio Verzotti. L’esposizione, dal taglio antologico, documenta l'intero arco dell’attività dell’artista, dai video che testimoniano le sue performances degli inizi alle sculture di grandi dimensioni spesso giocate su equilibri arditi — che sono state la sua cifra più tipica almeno dagli anni Ottanta —, fino alle opere degli ultimissimi tempi, qui esposte per la prima volta dopo la morte delI‘artista. La selezione proposta intende sottolineare due caratteristiche di Nagasawa: la sua attenzione verso i rapporti fra l’opera e l’architettura e la sua visione quasi utopistica di una scultura apparentemente priva di peso, al punto da stare sospesa nello spazio e sembrare leggera anche quando raggiunge dimensioni monumentali.
BUILDING location
Da martedì a sabato 10:00 - 19:00

Opus liber
BUILDING TERZO PIANO presenta, dal 4 aprile al 18 maggio 2024, Opus liber, [libro opera], una mostra collettiva a cura di Angela Madesani, che propone una significativa selezione di libri-opera, principalmente editi in un unico esemplare, cronologicamente collocati negli ultimi sessant’anni. Si tratta di un viaggio all’interno della storia dell’arte attraverso il libro, che per l’artista diviene un momento fondante della sua pratica speculativa e operativa. Opus liber è una rassegna assai particolare che offre diverse prospettive di lettura del libro-opera, creato unicamente sotto la responsabilità dell’artista, prodotto con materiali diversi che vanno dalla carta alla stoffa, attraverso linguaggi profondamente differenti tra loro: dal disegno a china alla pittura, dall’incisione con taglierino alla macchina da scrivere, dalla stampa al ricamo. Artisti coinvolti: Vincenzo Agnetti, Yuval Avital, Alighiero Boetti, Carlo Benvenuto, Michele Ciacciofera, Daniela Comani, Marilisa Cosello, Fabrizio Cotognini, Thomas De Falco, Lucio Fontana, Maria Lai, Sabrina Mezzaqui, Elena Modorati, Luca Pancrazzi, Giulio Paolini, Elisabeth Scherffig, Serena Vestrucci, Giorgio Vigna.
BUILDING TERZO PIANO location
Da mercoledì a venerdì 09:30 - 18:00. Sabato 11:00 - 18:00

Prototipi e sculture
Apertura mostra con l’esposizione di opere di Gianpietro Carlesso, artista nato a Bolzano nel 1961, il quale vive e lavora a Cormons. Carlesso scolpisce a mano intricate composizioni astratte dalla forma organica, ricavandole da un unico pezzo di marmo. Tattili e grandi, ma allo stesso tempo delicate e d'impatto, queste imponenti sculture dimostrano l'importanza del materiale e del processo, mostrando la vera maestria e abilità dell'artista. Nel 2008 ha rappresentato la città di Milano alla Biennale di Architettura di Venezia con la monumentale opera Equilibrio Dinamico Della Città in Divenire.
Cardi Gallery location
Da giovedì a domenica 10:30 - 18:30

Else Space, Es#1
Francesco Bertelé propone per gli spazi Carrozzeria900, un’opera che si sviluppa fra la realtà dello spazio fisico e l’ambiente virtuale digitale. Si tratta del terzo appuntamento di Else Space dopo la presentazione al pubblico avvenuto nell'ottobre 2022 al Museo Madre di Napoli e la mostra per Waiting Room al Centro Jonas di Trento. La mostra inaugura con un evento performativo al quale il pubblico può partecipare in modo esclusivo e immersivo attraverso un visore VR in dotazione presso lo spazio espositivo, oppure da remoto tramite i dispositivi personali collegandosi al link https://linktr.ee/elsespace.In mostra viene presentata anche la scultura ES#1, realizzata dalla scansione fotogrammetrica di un reperto biologico. Un'opera tra naturale e artificiale, composta di tre identità distinte ma in relazione tra loro attraverso legami di traslazione e manipolazione della forma. La prima forma è biologica, l’esoscheletro di un insetto parte del cabinet de curiosités privato dell’artista. La seconda forma è il suo simulacro virtuale, risultato della scansione e della modellazione digitale. La terza è la forma sintetica, che l’artista Natartribe ha modellato a mano partendo dalla fusione in argento dell modello 3d derivato dall’originale esoscheletro biologico dell’insetto, e che può per essere innestata sotto pelle, grazie al prototipo di impianto in acciaio chirurgico realizzato dal body mod artist Bruno Valsecchi.
Carrozzeria900 location
Da mercoledì a venerdì 10:00 - 13:00 e 14:30 - 18:00. Sabato 14:30 - 19:30

Un raccolto di consolazione
Simbiosi, in biologia indica un tipo di convivenza tra organismi di specie diversa, animali o vegetali, detti simbionti. Nel caso della pratica artistica di Fos¬sati e di Steiner la “simbiosi” accade con i materiali naturali (spore e miceli) a cui hanno fatto ricorso per la realizzazione delle opere. Materiali che sono assurti a co-creatori delle opere stesse. La natura funge da coaudiuvatore. Nell’ambiente naturale raccolgono, si approvvigionano, di spore e micelio. Della materia raccolta operano una trasformazione che restituiscono all’ambiente, non più solo naturale, in una forma i cui benefici non possono essere immediatamente verificabili. I due artisti dialogano a partire da disegni di funghi realizzati da Testori nel 1987.
Casa Testori location
Da martedì a sabato 11:00 - 19:00

To romanticize with indecision

Cassina Projects è lieta di presentare To romanticize with indecision, mostra collettiva curata dagli artisti Monia Ben Hamouda e Michele Gabriele. Ben Hamouda e Gabriele, le cui opere sono anche in mostra, invitano Andrew Birk, Anne De Vries, Dorota Gawęda e Eglė Kulbokaitė, e Bradford Kessler a riflettere sull'incertezza e la contraddizione come forze generative del processo creativo.
Cassina Projects location
Da mercoledì a domenica 10:00 - 19:00

The Way We Live
Nell'ambito CFAlive, COOPER COLE - attualmente la più importante galleria canadese d'arte emergente - presenta "The way We Live", collettiva con Marvin Luvualu Antonio, Van Maltese, Jenine Marsh, Kate Newby, Paul P., Fin Simonetti. CFAlive è un programma di residenza per gallerie d’arte contemporanea internazionali che desiderano costruire o rafforzare la propria relazione con Milano. Il progetto nasce dalla linee editoriali di CFArts, magazine trans-storico che racconta le arti visive partendo dal presupposto che il presente si debba verificare attraverso il passato e che il passato, a sua volta, vada costantemente attualizzato.
CFAlive location
Da mercoledì a domenica 11:00 - 18:30

Lehmann Maupin @ Circolo
Lehmann Maupin annuncia il suo nuovo spazio stagionale a Milano, che aprirà il 12 aprile, in concomitanza con l'apertura di Miart e del Salone del Mobile, e prima della 60a Biennale di Venezia, Foreigners Everywhere, che includerà l'artista della galleria Kim Yun Shin. Questo spazio segna la prima sede fisica della galleria in Italia e segue il successo dei recenti pop-up ad Aspen, Palm Beach, Taipei e Pechino. Lehmann Maupin Milano sarà ospitata presso il Circolo, un'organizzazione no-profit guidata da Nicole Saikalis Bay, in via della Spiga 48,vicino ai Giardini Indro Montanelli. La mostra sarà visitabile fino al 21 giugno, con una mostra collettiva che raccoglie gli artisti della galleria Hernan Bas, Loriel Beltrán, Mandy El-Sayegh, Todd Gray, Alex Prager e Nari Ward. Nelle vicinanze, la mostra retrospettiva di Ward è in programma al Pirelli Hangar Bicocca fino al 28 luglio 2024.
Circolo Art location
Da lunedì a venerdì 09:00 - 19:00

Wandering out into this great unknown
Particolarmente attenta alla complessa, dicotomica e longeva questione della natura umana, senza mai tralasciarne la sua origine, la mostra collettiva "Wandering out into this great unknown" si concentra su quell'assioma nietzschiano secondo cui "è molto importante che rifletta sulla morale il minor numero di uomini possibile”. Qui non interessano più parole, opinioni e congetture poiché ciò che più importa è poter dare libero sfogo alla propria natura, già esteriorizzata o ancora celata, in tutta la sua sciabordante purezza, così da non doversi mai più nascondere. Appellandosi a quell'orazione dantesca secondo cui: “considerate la vostra semenza: fatti non foste a viver come bruti, ma per seguir virtute e canoscenza", grazie alla quale Ulisse persuase i suoi fidati compagni a proseguire il loro viaggio verso l’ignoto, i quattro artisti invitati, ciascuno a proprio modo, spogliano la valenza estetica di bello e di brutto di tutte quelle accezioni morali acquisite nel corso della storia della civiltà Occidentale, affidandosi esclusivamente alle più giovevoli qualità dell’uomo, in una insurrezione corporale fatta sia di sommità sia di abissi. Artisti coinvolti: Olivia Bax, Michele Bubacco, Bénédicte Peyrat, Davide Serpetti.
Cittadella degli Archivi di Milano location
Da mercoledì a venerdì 11:30 - 13:30 e 14:30 - 19:30. Sabato 14:30 - 19:30

youngfreaks
Clima è lieta di presentare youngfreaks, la prima mostra personale in galleria della pittrice Americana Kelsey Isaacs (1994, Los Angeles, CA). Isaacs è una pittrice la cui pratica mette in luce le capacità dinamiche del suo mezzo, delle sue metodologie e del suo soggetto. Lavorando a partire da fotografie di scene che lei stessa allestisce e rielabora in una serie di composizioni, Isaacs costruisce un linguaggio visivo di dimensionalità attraverso mezzi materiali contemporanei che si traduce al di là delle linee convenzionali del trompe l'oeil e dell'astrazione.
Clima location
Da lunedì a giovedì 14:00 - 18:00

BANANA
La mostra “Banana” di Carlos Gasparotto per CONDOMINIO amplia le tematiche già esplorate nell’omonimo libro, uscito ad ottobre 2023 e presentato presso Micamera: gli effetti e le motivazioni delle misure politiche, come la legge cosiddetta ley chorizo che nel 2010 in Panama ha minacciato il diritto allo sciopero e alla manifestazioni in tutto il territorio panamense. Il progetto si propone non solo come una una critica, ma piuttosto come un'approfondita riflessione sulla storia del consumo occidentale e sulle intricate conseguenze delle nostre scelte di mercato. Fuori dalle pagine del libro, per la prima volta, “Banana” prende forma in uno storytelling narrato nello spazio di CONDOMINIO attraverso immagini stampate e grafiche brandizzate, evocando il prodotto stesso e la sua affascinante storia industriale.
CONDOMINIO location
Da lunedì a venerdì 14:00 - 19:00

Selvatica. Una riflessione sulla natura
Selvatica. Una riflessione sulla natura” è una suggestione che promuove, attraverso un’esplorazione della profonda connessione tra corpo umano e natura, una cultura della consapevolezza e del rispetto, mettendo in risalto la natura come entità verso cui orientarsi e la sostenibilità come principio guida e valore. Il percorso espositivo si apre con la serie Siphonophorae di Anna Vassena. Le siphonophorae sono aggregati che richiamano nelle forme e nei colori una dimensione organica naturale. Prosegue con le installazioni di Elena Zecchin, artista e attivista per il clima che lavora con un vocabolario fatto di simboli organici, materie vive, gestualità libere che hanno l’intento di unire corpo, natura e sogni. Si chiude con la serie fotografica dell’artista colombiana Tatiana Russi, che ha intrapreso un viaggio esplorativo in cui il corpo nudo diventa strumento, dipingendo attraverso l’immaginario animale con movimenti organici, fluidi e naturali e giocando con il colore e l’ambiente.
Corals Art Gallery location
Da lunedì a sabato 10:00 - 18:00

Arnaldo Pomodoro: il movimento possibile
Cortesi Gallery è lieta di presentare, nella propria sede milanese di Palazzo Morigi, la mostra Arnaldo Pomodoro: il movimento possibile, un'affascinante incursione nella straordinaria carriera di uno degli artisti più significativi del nostro tempo. La mostra, curata da Alberto Salvadori e realizzata in collaborazione con la Fondazione Arnaldo Pomodoro, presenta un percorso che vuole esplorare il lato meno noto dello scultore, presentando non solo le imponenti, dorate e smeriglianti sculture che rappresentano le forme elementari dei solidi geometrici, ma esplorando la relazione costante della sua ricerca con i differenti formati e scale di rappresentazione nonché il conseguente rapporto costante con l’oreficeria e l’architettura.
Cortesi Gallery location
Da giovedì a domenica 11:00 - 19:00

Vessel (no) Vessel
In occasione di Milano Art Week, ESH Gallery, spazio che opera nell’indistinguibile confine tra scultura, craft contemporaneo e design, presenta la nuova mostra Vessel (no) Vessel. L’esposizione presenta opere di artisti che con le rispettive ricerche formali su ceramica e vetro tracciano nuove rotte espressive e ridefiniscono il tema archetipo del vaso, una delle più antiche forme d’arte presente in ogni cultura. Vasi non vasi che, venuto meno il concetto di funzionalità, diventano puri oggetti d’arte, sintesi perfetta tra tradizione tecnica e linguaggio contemporaneo. Artisti presenti: Licia Cicala, Guido De Zan, Fuku Fukumoto, Clara Holt, Akio Niisato, Oki Izumi, Ryo Sekino, Hanako Gejo, Shinya Tanoe.
ESH Gallery location
Da martedì a sabato 16:00 - 20:00

Beyond Boundaries
La mostra, curata da Nicholas Vamvouklis, racchiude dipinti, video,sculture e installazioni dei 6 artisti che hanno partecipato al progetto di Residenza d’artista svoltosi in gennaio presso Fabbrica del Vapore in collaborazione con BJCEM. Il programma si è concentrato sull'esplorazione multiforme dei confini, che si estende al di là delle demarcazioni geografiche nei regni del simbolico e dell'immaginario. In quest'epoca di sfide globali, gli artisti sono stati invitati a scavare negli strati sfumati dei confini politici, culturali ed emotivi che definiscono e sfidano le comunità di oggi. Gli artisti hanno tratto ispirazione anche dal contesto milanese, esplorando i suoi spazi liminali e le sue storie. Artisti coinvolti: Monia Ben Hamouda, Milica Jankovic, João Gomes Gago, Ingrid Bjørnaali, Ronnie Danaher, Domenika Georgiou.
Fabbrica del Vapore location
Da mercoledì a sabato 14:00 - 19:00

Ugo La Pietra. Abitare è essere ognuno a casa propria
La mostra raccoglie lavori di ricerca relativi al territorio urbano di Milano, realizzati tra gli anni sessanta e oggi. Opere che testimoniano la capacità di La Pietra di decodificare e quindi leggere le contraddizioni e i vincoli della nostra società urbanizzata, a fini di raggiungere l'abitabilità dello spazio collettivo. In mostra: opere bidimensionali da collocare all'interno dello spazio attrezzato, un'installazione esterna "soggiorno urbano", striscione con la scritta "abitare è essere ovunque a casa propria".
Fabbrica del Vapore location
Da lunedì a sabato 11:00 - 13:00 e 16:00 - 18:30

Art Design

Mostra personale di Giuseppe Veneziano. Tema di questa inedita serie di dipinti e disegni è il dialogo tra Arte e Design che l’artista esplora attraverso l’ironia tipica del suo linguaggio che attinge da fonti alte e basse e unisce realtà e finzione. Un dialogo tra due mondi che da sempre si guardano amichevolmente e s’influenzano. Negli anni questa distanza si è assottigliata fino al punto in cui i confini sono perfettamente interscambiabili. Veneziano vuole celebrare i grandi protagonisti della storia dell’arte alla stessa stregua dei designer internazionale di cui molti nati in Italia, come Achille Castiglioni, Alessandro Mendini, Ettore Sottsass, Aldo Rossi, Corrado Levi e Fabio Novembre. A completare l’esposizione alcuni degli oggetti di design raffigurati nelle opere.
Fabbrica Eos location
Da mercoledì a domenica 15:00 - 19:00

the hearing eye and the speaking ear
Fanta-MLN è lieta di presentare “the hearing eye and the speaking ear”, la seconda mostra di Margherita Raso in galleria. Sottolineando i limiti di tecniche specifiche, l’artista sfida la nozione di opera d’arte come entità fissa chiedendosi cosa succede quando le cose cambiano pelle, come viaggiano le informazioni e cosa viene lasciato o rinasce quando ciò avviene. Le opere dell’artista esistono in una tensione tra visibilità e occultamento, apparenze e omissioni, esplorando il rapporto temporale e spaziale con la storia, le sue tradizioni, i rapimenti e le percezioni contemporanee.
Fanta-MLN location
Da sabato a domenica, h. 24

SCONFINA
SCONFINA è un progetto che vuole oltrepassare i confini di un dato territorio e uscire dai limiti determinati dall’argomento, è uno spazio aperto al dialogo 24 ore su 24 senza tempi imposti. Cerca notte e giorno sguardi curiosi fra i passanti frettolosi. Carichi Pendenti, installazione scultorea di Marta Dell’Angelo, ridefinisce il luogo e il tempo dello spazio, mirando allo sguardo di chi da lì transita. Parentesi di sagome femminili vibrano nel vuoto intersecandosi tra loro, come quinte teatrali composte da porzioni di corpi dismessi: sculture mobili dialogano silenziosamente fra loro, invitando chi le guarda a entrare in scena e partecipare alla pièce. Corpi, nudi femminili sconfinano nel tessuto urbano in costante dialogo con il contesto sociale che le circonda.
Fondazione Arthur Cravan location
Da martedì a giovedì 09:00 - 12:30 e 15:00 - 18:30

Mino Ceretti: una ricerca sull’identità tra segni e figure
Dal 25 gennaio al 28 marzo 2024 presso la Fondazione Corrente di Milanoè aperta al pubblico la mostra Mino Ceretti: una ricerca sull’identità tra segni e figure, a cura di Giorgio Seveso. La mostra presenta trentotto fogli di anni diversi, disegni dipinti o pastelli disegnati di un maestro milanese che non ha mai smesso di ricercare. Con due argomenti, l’identità declinata nel ritratto e quella ricercata nei segni di scritture alfabetiche vere o inventate, protagonisti della tematica generale che da sempre sospinge le sue indagini. Una tematica fatta soprattutto di domande aperte, di curiosità e fervore intellettuali circa il rapporto tra la rappresentazione simbolica e la realtà.
Fondazione Corrente ONLUS location
Da mercoledì a domenica 12:00 - 19:00

Un Palazzo in esilio
Un Palazzo in esilio è il terzo capitolo del progetto Transmundane Economies di Theodoulos Polyviou. Negli anni Cinquanta, nell'atmosfera politicamente e socialmente infuocata di Cipro, l'arcivescovo Makarios III promosse la costruzione di un nuovo palazzo arcivescovile. Il concorso e il dibattito pubblico che lo ha accompagnato, ha evidenziato il ruolo dell'architettura nell'identità nazionale durante la dominazione britannica creando un precedente per il futuro architettonico dell'isola. La mostra, che comprende video, sculture, disegni e installazioni, esamina come i meccanismi di inclusione ed esclusione interni alla costruzione e al simbolismo del palazzo abbiano favorito un senso di comunità e di appartenenza, emarginando al contempo i gruppi minoritari ciprioti attraverso narrazioni marginali.
Fondazione Elpis location
Da lunedì a venerdì 10:00 - 17:00. Sabato 11:00 - 12:00

Francesco Somaini. Alle origini del sacro
Il tema del “sacro” nel Iavoro di Somaini, non solo scultoreo,scaturisce da una riflessione su processi di rigenerazione, trasformazione, morte e rinascita. Rispetto alle diverse fasi della sua attività creativa in cui emergono soggetti ad esso legati, sono qui presentati alcuni nuclei di Iavori inerenti a questa idea. Il visitatore è condotto a scoprire la serie dei Martiri (1958-61), che declinano il motivo della croce attraverso un approccio di carattere laico-esistenziale legato al clima culturale post-bellico (tema ripreso nel ciclo delle Carnificazioni di un’architettura degli anni '70), e il Grande Retablo della vita e della morte, un’instaIlazione del 1967-68, rimasta incompiuta, qui ricostruita per la prima volta suIIa base di documenti e disegni recentemente ritrovati.
Fondazione Francesco Somaini Scultore ETS location
Da giovedì a sabato 12:00 - 19:00

Alexander e Sasha Brodsky, Piazza senza nome
La nuova Fondazione Galleria Milano è un ente non-profit con la finalità di tutelare e promuovere la storia della Galleria Milano, una delle gallerie d’arte più longeve a livello nazionale, oltre a sviluppare progetti di ricerca artistica sul contemporaneo. Strutturata su due piani, accoglie al piano superiore uno spazio espositivo con l’attuale mostra Alexander e Sasha Brodsky, basata sull’incontro di architettura utopica e arte visiva. Al piano inferiore la biblioteca e l’archivio della storica Galleria, che ne narra le sorprendenti e pionieristiche vicende nel mondo dell’arte, dagli anni Sessanta al 2022.
Fondazione Galleria Milano ETS location
Mercoledì 14:00 - 18:00. Da giovedì a domenica 12:00 - 19:00

Erika Verzutti. Notizia
Fondazione ICA Milano presenta la mostra Notizia, un inedito affondo nella pratica artistica di Erika Verzutti (São Paulo, 1971) a cura di Chiara Nuzzi e Alberto Salvadori che comprende nuove opere - prodotte principalmente a Milano - sviluppate secondo la specificità dello spazio della Fondazione e caratterizzate da un radicale cambiamento nella loro concezione e installazione. Con Notizia Verzutti si interroga e ci pone la problematica di come concettualmente e visivamente l’impatto che i giornali e i quotidiani - così come la circolazione delle notizie che essi veicolano - esercitano sull’arte e il fare arte, rivelando inoltre la fascinazione dell’artista nei confronti della carta stampata sia come materiale sia come soggetto della propria espressione artistica. I giornali e le notizie sono al centro della riflessione di Verzutti, articolata in una selezione di sculture a pavimento e a muro realizzate in bronzo, cemento, ceramica, resina, carta di giornale e altri materiali che rappresentano la complessità e la ricchezza del lessico formale ed espressivo dell’artista.
Fondazione ICA Milano location
Mercoledì 14:00 - 18:00. Da giovedì a domenica 12:00 - 19:00

Formafantasma. La Casa Dentro
Fondazione ICA Milano presenta la mostra personale La Casa Dentro di Formafantasma, a cura di Alberto Salvadori. Il progetto espositivo mette in mostra un corpus di lavori appositamente concepito per l’occasione grazie al quale si esplorano tematiche dell’identità personale e della sua relazione con la memoria collettiva. La selezione di mobili e oggetti luminosi ideata per Fondazione ICA Milano affronta criticamente l’eredità sia progettuale sia concettuale del modernismo, evidenziandone le radici legate a un’idea fortemente conservatrice, intrisa di forte mascolinità. In un dialogo tra ideologia architettonica ed esperienza vissuta dell’ambiente domestico, fatto di oggetti umili e decorativi, Formafantasma esplora le dinamiche che portano all’imposizione di un canone ponendolo in relazione con il senso di nostalgia che deriva da ciò che si è perduto. La riflessione e la proposta dei designer propongono una visione protesa verso il futuro, superando i canoni stabiliti e in assenza di retromania.
Fondazione ICA Milano location
Da martedì a domenica 10:00 - 19:00

QUEEN UNSEEN | Peter Hince
Dall’8 febbraio al 21 aprile 2024, la Fondazione Luciana Matalon ospita la mostra “QUEEN UNSEEN | Peter Hince”. L’esposizione racconta lo straordinario percorso umano e professionale dei Queen e del suo carismatico front-man, attraverso una ricca selezione di memorabilia e di fotografie scattate dal road manager Peter Hince tra il 1977 e il 1986. Completa il percorso la proiezione di rare riprese dei più famosi concerti della Band.
Fondazione Luciana Matalon location
Da mercoledì a domenica 10:00 - 20:00

Vulci. Produrre per gli uomini produrre per gli dèi
Vulci. Produrre per gli uomini produrre per gli dèi (fino al 4 agosto) è la mostra dedicata a una tra le più dinamiche città dell'Etruria meridionale costiera, centro strategico nelle rotte commerciali tra Etruria e Mediterraneo. Tema cardine è la produzione artigianale, con attenzione all'influenza delle importazioni dal Mediterraneo orientale sulle attività delle botteghe locali. Il percorso permette inoltre di ripercorrere le principali vicende storiche di Vulci, dalla sua origine fino alla sua definitiva sottomissione a Roma. Arricchiscono il percorso espositivo quattro opere di Giuseppe Penone mantenendo forte il dialogo fra antico e contemporaneo, cifra peculiare della Fondazione.
Fondazione Luigi Rovati location
Lunedì, mercoledì, giovedì, venerdì 14:00 - 20:00. Sabato e domenica 11:00 - 20:00

Miranda July: New Society
Curata da Mia Locks, “Miranda July: New Society” è la prima mostra dedicata all’opera di Miranda July che ripercorre la carriera trentennale dell’artista, regista e scrittrice americana attraverso i suoi cortometraggi, performance e installazioni. Il progetto include il nuovo lavoro F.A.M.I.L.Y. (Falling Apart Meanwhile I Love You), un’installazione video multicanale che documenta la collaborazione di un anno tra July e sette performer su Instagram. F.A.M.I.L.Y. è il punto di partenza per indagare nella mostra i temi presenti in altri progetti performativi e collaborativi di July.
Osservatorio Fondazione Prada location
Da martedì a sabato 11:00 - 19:00

Et les yeux pour me dire
Armin Boehm dipinge scene fittizie e spazialmente impossibili, basate su layout urbani e costruzioni architettoniche che intendono evocare la condizione umana interiore. In un'intervista di Gaston La-Gaffe su FAD Magazine, l'artista ha affermato: “La superficie dipinta è vulnerabile come la nostra pelle e guardarla raggiunge il nostro sistema emotivo in modo molto diretto”. Per il suo faticoso percorso personale è attratto dalla superficie dipinta, capace di confrontarsi con l'inconscio e le emozioni dell'essere umano. Le immagini, che a volte sembrano vedute aeree o paesaggi in perenne allontanamento, esplorano l'idea dei confini naturali e artificiali nelle superfici geografiche. Le sue opere più famose sono di grandi dimensioni, composteutilizzando complesse combinazioni di materiali tra cui tessuto, pittura ad olio, pigmento puro, metallo e sabbia. La maggior parte dei dipinti di Boehm ha tavolozze scure e raffigura vedute notturne con piccole fonti di luce.
Francesca Minini location
Da martedì a sabato 10:00 - 13:00 e 14:00 - 19:00

She, the cat’s mother
La Galerie Gregor Staiger è lieta di presentare “She, the cat’s mother”, la seconda mostra personale di Lucy Stein presso lo spazio della galleria di Milano. Conterrà un nuovo corpus di dipinti e opere di piastrelle, concepiti appositamente pensando alla galleria. Prendendo spunto dagli studi celtici, dalle mitologie europee e dalla teoria femminista, ogni pezzo offre uno sguardo su un mondo in cui la saggezza antica e il discorso contemporaneo si intersecano.
Galerie Gregor Staiger location
Da mercoledì a venerdì 14:30 - 19:00. Domenica 14:30 - 19:00

La nostra casa è in fiamme
Mostra ispirata all’omonimo libro dell’attivista svedese Greta Thunberg ed ai Fridays For Future, movimento globale per la giustizia climatica ed ambientale. Il decennio 2009-2019 è stato il più caldo mai registrato ed il 2023 è stato l’anno più caldo della storia dell’uomo. Le stagioni degli incendi sono diventate più lunghe ed intense, i terremoti più frequenti e violenti, sono aumentati i cicloni e le alluvioni, fenomeni come El Niño sono diventati più irregolari e hanno causato pericolose siccità…. È in atto una terribile crisi climatica che rappresenta la nostra più importante sfida futura. Di fronte a tutto questo l’arte può portare maggiore consapevolezza ed ispirare il cambiamento in modo incisivo. ContemporaryArtistsForFuture rappresenta l’impegno dell’arte contemporanea nei confronti del futuro nostro e del nostro pianeta. Artisti coinvolti: Bertozzi e Casoni, Enrica Borghi, Pierpaolo Curti, Eva Frapiccini, Alessandro Moreschini, Luca Pancrazzi, Francesca Pasquali.
Galleria ARTRA location
Sabato e domenica 10:30 - 18:00

Bar Stories on Camera. Galleria Campari / Magnum Photos
Bar Stories on Camera. Galleria Campari / Magnum Photos, sino a martedì 30 aprile 2024 presso gli spazi della Galleria Campari e a cura di Galleria Campari, presenta 90 fotografie dagli anni Trenta agli inizi degli anni Duemila che raccontano il mondo del bar attraverso 48 immagini dall'Archivio Storico Galleria Campari e 42 scatti a firma di 24 fotografi internazionali dell'agenzia Magnum Photos. In occasione della mostra, la Galleria presenta Campari Art & Cocktail experience, appuntamento dedicato alla storia della comunicazione Campari e alla storia della mixologia: una masterclass condotta da un bartender di Campari Academy comprensiva di visita guidata in Galleria Campari, preparazione del perfetto cocktail e aperitivo finale
Galleria Campari location
Da mercoledì a sabato 14:00 - 19:00

To those who have quite had their fill of Gorgo
To those who have quite had their fill of Gorgo’, titolo scelto per il solo show di Zoe Williams, è un rimando ad opere sopravvissute della poetessa Saffo e tradotte da Anne Carson. Negli spazi della galleria saranno esposti nuovi disegni scraperboard incorniciati e l’opera cinematografica intitolata "Tendresse, Tendril, (Worms' Meat)’’ una serie CGI di istantanee e animazioni che intende agire come una sorta di profezia morbosa o di incantesimo ed ammaliamento del campo. Le anemoni di mare, protagoniste del cortometraggio, a cui si alternano pozze di scogliera e monete d’oro cadenti, sono accompagnate dalla silhouette dell’artista che danza in una finestra rossa incandescente. Il lento scambio fra l’oggetto e il suo spettatore mette in moto un dialogo intimo attorno al potere e al sesso.
Galleria Ciaccia Levi, Paris - Milan location
Da lunedì a sabato 10:30 - 14:00 e 15:00 - 19:00

Richard Orlinski: The Wild Odyssey
"The Wild Odyssey" la prima mostra personale italiana di Richard Orlinski, rinomato artista francese. "The Wild Odyssey" è l'opportunità di entrare nella "Orlinski Galaxy" e ammirare alcune delle sculture più famose e iconiche dell'artista francese, che costruisce ponti tra mondi diversi, andando oltre i confini. Le opere di Orlinski omaggiano la potenza della natura e degli animali: gorilla, elefanti, pantere e coccodrilli invadono lo spettatore con le loro forza. La mostra, visitabile gratuitamente dal 22 marzo al 20 aprile, verrà inaugurata al pubblico il 21 aprile con una speciale serata in presenza dell'artista.
Galleria Deodato Arte location
Da lunedì a venerdì 10:00 - 13:00 e 14:00 - 17:00

Claude Rutault
Galleria Federico Vavassori ha il pacere di presentare la mostra personale dell’artista francese Claude Rutault (1941-2022), esibendo lavori storici e anche più recenti. Le sue opere prendono vita seguendo i “dé finitions/méthodes”, regolamento scritto dall’artista che spiega come attualizzare i suoi lavori; le sue tele quando appese a una parete prendono lo stesso colore del muro.
Galleria Federico Vavassori location
Da mercoledì a venerdì 14:30 - 18:30. Sabato 11:00 - 18:00

SURF
Martina Simeti è lieta di annunciare Surf, la seconda mostra personale di Mimosa Echard in galleria. In quest’occasione l’artista francese presenterà una serie di nuove produzioni a cavallo tra pittura e scultura. Mimosa Echard (1986, Alès, Francia) attinge alla ricerca biologica, alla storia del cinema sperimentale e alla sua biografia personale per creare opere che fondono sessualità, percezione e artificio. Il suo lavoro è guidato da continui e contraddittori processi di assorbimento, accumulo e circolazione che possono essere osservati in campi diversi come la cultura popolare, i sistemi metabolici e i fenomeni elettromagnetici.
Galleria Martina Simeti location
Da martedì a sabato 11:00 - 19:00

CHUNG EUN-MO
Galleria Monica De Cardenas presenta un’antologica dedicata a Chung Eun-Mo, pittrice coreana che dal 1987 vive in Italia e dal 2019 a Milano. Nei suoi lavori Chung Eun-Mo (*Seoul 1946) ha trasferito sin dagli esordi la sua profonda conoscenza e inclinazione al Modernismo, in una continua ricerca verso nuove geometrie pittoriche in cui originali strutture spaziali convivono e si alimentano nel confronto con inediti rapporti tra i diversi colori coinvolgendo attivamente anche lo spazio intorno alla tela. Come Malevič e Albers, Chung Eun-Mo è stata sempre affascinata dalle armonie matematiche e cromatiche e dagli effetti mutevoli della luce che in esse si riflettono. La mostra propone 20 lavori realizzati dagli inizi degli anni Novanta fino ad oggi.
Galleria Monica de Cardenas location
Da martedì a sabato 10:00 - 13:00 e 14:00 - 19:00

elegy
Lo scorso settembre abbiamo accolto Gabrielle Goliath nel nostro gruppo di artisti. La sua pratica tumultuosa, profonda e aperta esplora temi che sono sempre stati vicini ai nostri cuori, e la sua rigorosa ricerca offre in modo coerente nuove prospettive sulla contemporaneità. La collaborazione con Gabrielle segna un nuovo e significativo capitolo per la galleria. Una performance commemorativa a lungo termine, parte di un percorso avviato da Gabrielle Goliath nel 2015, emblematica del suo lavoro, durante un periodo di grande importanza per l'artista, che farà parte della Biennale di Venezia 2024.
Galleria Raffaella Cortese location
Da martedì a sabato 14:00 - 18:00

Diango Hernandez: desideri di luce. Rifrazioni
L’esposizione si articola come un’unica installazione il cui filo conduttore è la luce. Le opere seguono infatti una logica narrativa che pone in relazione luce e desiderio. Al cuore del progetto espositivo, alcuni dipinti a olio lasciano intravedere spazi luminosi filtrati come da finestre dai vetri traslucidi e corrugati. Anche se non vediamo con precisione quei luoghi che ci appaiono sfuocati e lontani, intuiamo la quieta pace di un oltre, come se ci trovassimo davanti al diaframma del moto ondoso di una soglia da attraversare, di un velo acqueo da infrangere perché ci tuffiamo in quella luce.
Galleria S. Fedele location
Da martedì a venerdì 10:00 - 13:00 e 15:00 - 19:00

Concetto Pozzati ‘60
Si tratta del primo progetto in collaborazione con l'Archivio Concetto Pozzati negli spazi della Galleria: con l'occasione la galleria è onorata di rinnovare l'impegno congiunto con l’archivio focalizzato a rilanciare la presenza della figura dell’artista sulla scena italiana e internazionale. La rinnovata partecipazione in fiere ed eventi istituzionali, pubblici e privati, delle opere di Concetto Pozzati ha il fine di proseguire il lavoro portato avanti dal maestro. La mostra in galleria sarà focalizzata su un corpus di opere circoscritto al lavoro del pittore negli anni Sessanta, anni di fondamentale importanza per Concetto Pozzati, che approda nel 1964 sia alla Biennale di Venezia che a documenta a Kassel, con opere che lo consacrano uno dei protagonisti della Pop Art italiana.
Galleria Secci location
Da martedì a sabato 11:00 - 18:00

World Leader Pretend
World Leader Pretend è una mostra di dipinti, sculture e installazioni inedite dell'artista venezuelano-americano Alex Da Corte. È la prima mostra di Da Corte a Milano dopo Devil Town da Gió Marconi nel 2015, e la sua prima mostra in Italia dopo la Biennale di Venezia del 2019. L'artista è stato protagonista di recenti mostre antologiche presso il Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Danimarca, e il 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa Giappone. Da Corte è stato Philip Guston Rome Prize Fellow 2023 all'American Academy di Roma.
Gió Marconi location
Da martedì a sabato 15:00 - 19:00

Smuovere l’angolo apocalittico verso la speranza
Glenda Cinquegrana Art Consulting presenta una mostra a cura di Stefano Cagol, che prende il titolo da una conversazione tra Björk e il filosofo Timothy Morton per guardare al ruolo dell’arte di influenzare la società allontanandola dall’immobilità paralizzante. Un coerente senso di impegno distingue, infatti, la pratica degli artisti esposti, che includono l’americana Mary Mattingly, qui con l’immagine fotografica già cover del volume “Art in the Anthropocene”, e il collettivo spagnolo PSJM con i loro dipinti astratti come “geometrie sociali” per sottolineare cambiamenti da noi provocati o desiderati. Di Cagol, in mostra le “Bouvet Island”, sculture come rimando alle questioni atomiche.
Glenda Cinquegrana Art Consulting location
Da mercoledì a venerdì 08:30 - 12:30 e 14:00 - 18:00

MONUMENTO PRIVATO
Monumento Privato è il progetto di un monumento alla transizione. Si compone di tre parti: “2019/20”, “2020/21” e “2021/22”, che corrispondono ai periodi di transizione fra tre anni solari durante i quali la privazione totale o parziale di spazio pubblico è stata la misura al centro delle preoccupazioni mondiali. Il monumento ha una funzione, ma non ha un uso all’interno della città. Quando ci troviamo di fronte a un monumento ne riconosciamo la funzione evocativa, cioè il motivo per cui è stato realizzato. Ma all’interno della città non è altro che uno spazio che è stato sottratto, cioè privato all’utilizzo. Il progetto di Monumento Privato vuole indagare questo è mettere in evidenza che cosa è un monumento rispetto alla città. Il lavoro di sottrazione della materia vuole indagare lo spazio che viene sottratto alla città per diventare monumentale. I monumenti per loro stessa definizione sono eterni, ma in realtà perdono di valore e non sono eterni. Un monumento ha valore per la società che lo crea in senso commemorativo, ma nel passare del tempo se ne perde il significato intrinseco, per dare spazio a una nuova narrazione. Il lavoro sulla materia vuole indagare il monumento anticipando, o meglio accorciando, questo tempo. Il suo corpo pian piano si dilaverà, anticipando il processo di reintroduzione dello spazio del monumento alla città stessa.
HUB ART location
Da giovedì a venerdì 09:00 - 13:00 e 14:00 - 18.00. Sabato 10:00 - 13:00 e 14:00 - 17:00

A forza di essere vento
“A forza di essere vento” è un progetto nato dalla collaborazione tra Istituto Italiano di Fotografia e Lagazuoi EXPO Dolomiti, in occasione del Lagazuoi Photo Award New Talents 2023. La fotografa Giorgia Dal Molin ha partecipato alla residenza presso la foresteria della funivia e racconta sentimenti personali e articolati che la legano all’ambiente montano: rispetto, timore, attaccamento, curiosità che hanno dato vita a una eredità emotiva che la fotografa ha trasformato in immagini. I profili bianchi delle rocce, gli scorci blu di cielo, i sentieri, la valle; la montagna si trasforma in una tenera amante e noi, a forza di essere vento, siamo perdutamente innamorati di lei.
Istituto Italiano di Fotografia location
Da lunedì a mercoledì 11:00 - 18:00. Giovedì 11:00 - 20:00. Venerdì 11:00 - 22:30

A film in two parts, the second of which never ends
Per la sua mostra personale, Jiajia Zhang che lavora anche con la fotografia e il video, crea un’ampia installazione che trasforma lo spazio espositivo in un luogo dove la sfera privata, persino intima, e la sfera pubblica si sovrappongono. L’artista è interessata alle strutture standardizzanti che ci plasmano all’interno di questi spazi: dissuasori in pietra che guidano i nostri movimenti negli spazi pubblici—presenti nella mostra come una sorta di ready-made—o i processi standard nell’apprendimento di una lingua straniera, come mostra il nuovo lavoro video di Jiajia.
Istituto Svizzero location
Da mercoledì a sabato 10:30 - 19:00

Seahorse
La mostra di Nicolas Party presenta nuovi pastelli che raffigurano fauna acquatica, ritratti e foreste, tutti immersi in uno spazio cosmico pervaso da un senso di movimento ed evanescenza. La voluttà monumentale dei motivi trattati in precedenza dall'artista, caratterizzati da volumi geometrici e superfici omogenee dai colori saturi, cede il passo a un mondo onirico dominato da atmosfere fluide. Cavallucci marini e polpi, appartenenti alla sfera delle creature marine mitologiche, fluttuano in ambienti acquatici surreali; diverse specie di falene svolazzano in nuvole di vapore dorato. Nella serie delle foreste, l'artista si concentra sulle chiome ondulanti degli alberi, mentre i nuovi ritratti, in cui flussi cangianti di grigio acciaio rimandano alla fotografia vittoriana, evocando il ricordo nostalgico di epoche passate e la fugacità della vita terrena.
kaufmann repetto Milano location
Da mercoledì a venerdì 10:00 - 17:00. Sabato e domenica 16:00 - 19:00

Nel segreto di una casa
Nel segreto di una casa (2024) chiude la trilogia dei Frammenti domestici (2004-2024) e porta Alessandro Vicario a confrontarsi con dei luoghi a lui sconosciuti. Fu una collezionista a proporgli di fotografare una villa appartenuta a certi suoi parenti. Come ci racconta l’autore stesso “superate le prime ore di disorientamento, cominciai a entrare in sintonia con l’ambiente. I segni e le tracce di quelle vite lontane mi diventavano,in qualche modo, famigliari. Ne coglievo la dimensione universale”. La mostra curata da Elena Carotti e proposta da Lab 1930. Fotografia contemporanea presenta una selezione di 7 scatti in dimensione 1:1 mentre il progetto completo composto da 18 immagini verrà pubblicato da ELR Edizioni Le Ricerche di Locarno con un testo critico di Gigliola Foschi (maggio 2024).
Lab 1930. Fotografia contemporanea location
Da lunedì a domenica 10:00 - 19:00

Pesci d’aprile: il mare su carta
Ittiologia dipinta. Creature del mare profondo vengono alla superficie, dipinte su carta di giornale, così come la natura dell'essere umano affiora ogni giorno nelle notizie proposte dai media. Le opere su carta in mostra sono di Claudio Jaccarino e Cesar Reglero (Italia-Spagna). Saranno esposti 12 lavori incorniciati di recente produzione, mentre saranno disponibili raccolte in un portfolio 100 opere per la libera consultazione del pubblico, risalenti agli ultimi due anni, che testimoniano del percorso di ricerca degli artisti, dagli abissi verso la superficie.
Laboratorio di Cromografia location
Da mercoledì a domenica 15:00 - 19:00

Europa, percorsi di pace
Lusia Brzyska ha incontrato la pittura in età matura, e da quel momento è stata un’assidua, attenta, vorace frequentatrice di corsi d'arte. Di nazionalità polacca e trapiantata in Italia, in questi anni ha dipinto con una grande intensità, mettendo insieme un cospicuo corpo di lavori nella sua tecnica di elezione: l’olio. Ha esplorato stili diversi, con una volontà di ripercorrere a ritroso il percorso di una vita (da Milano indietro al periodo toscano, e ancora prima alle sue origini polacche - che affondano nel periodo antecedente alla caduta del muro), ricostruendo legami affettivi e offrendo insieme una mappa dell'Europa vista da Est: un ideale prima lontano, poi afferrato con speranza o delusione, sollievo o timore, ma sempre con grande forza.
Laboratorio di Cromografia location
Da lunedì a venerdì 15:00 - 19:00

CON-CRETA bellezza
Inaugurazione di un nuovo spazio culturale dedicato alla scultura in terracotta, ceramica, ceramica raku. Esposizione di terre-cotte e sculture di Teresa Ricco e dei partecipanti all'Officina delle Impronte. La manipolazione della creta è un’attività creativa spontanea che ci riporta naturalmente al nostro immaginario. Dà luogo a scoperte, emozioni e creazioni sempre diverse. Genera intense emozioni e agevola la trasformazione, esteriore come interiore.
Laboratorio di Cromografia location
Lunedì e martedì 15:00 - 18:00

Morire di classe. (La condizione manicomiale fotografata da Carla Cerati e Gianni Berengo Gardin)

L’11 marzo cadrà il centenario della nascita di Franco Basaglia, ispiratore della legge 180 del 1978, nota come Legge Basaglia, che disponeva la progressiva abolizione dei manicomi in Italia. L’istituzione manicomiale, prima di Franco Basaglia e del movimento psichiatrico anti-istituzionale, era un luogo di segregazione e di coercizione, un asilo coatto per i poveri, i reietti, gli emarginati, un carcere abbrutente in cui i malati venivano deumanizzati e ridotti in contenzione, privati dei diritti ed esclusi dalla società, senza un’ottica di recupero e reinserimento sociale. Nel 1969 Morire di classe, esce in libreria: un libro fotografico curato da Franco Basaglia e Franca Ongaro, con le fotografie di Gianni Berengo Gardin e Carla Cerati, che mostrò inequivocabilmente al mondo, grazie alla vivida crudezza delle immagini, quale fosse la condizione dei malati mentali all’interno dei manicomi, divenendo un libro simbolo che ha segnato una tappa fondamentale nel processo di liberazione e di scardinamento dell’istituzione manicomiale. Per molti anni, Morire di classe è stato irreperibile nelle librerie. Proprio quest’anno, il Saggiatore ha scelto di riportarlo alla luce, nella sua integrità, rispettando le intenzioni originarie dei curatori e la natura intrinsecamente politica di questo progetto, perché – crediamo – la malattia mentale è oggi come ieri espressione dell’ingiustizia sociale e delle diseguaglianze che essa produce: le idee di Basaglia, all’interno delle storture della nostra società, adesso più che mai, stanno diventando una nuova utopia.
Laboratorio Formentini location
Da lunedì a venerdì 09:30 - 17:30

Letizia Battaglia. Storie di libertà ritrovata
In occasione del decimo anniversario del progetto Law is Art! LCA Studio Legale omaggia Letizia Battaglia (1935-2022), celebre fotografa e principale testimone femminile della cronaca siciliana tra gli anni Settanta e Novanta. La mostra «Letizia Battaglia. Storie di libertà ritrovata» nella sede milanese dello studio, in via della Moscova 18, è in collaborazione con l’Archivio Letizia Battaglia, Galleria Francesco Pantaleone Arte Contemporanea, ARTE Generali e Apice. Durante la Milano Art Week, LCA apre le sue porte al pubblico per una visita speciale sabato 13 aprile, a due anni esatti dalla morte dell'artista.
LCA Studio Legale location
Da lunedì a venerdì 17:00 - 18:00

NETES MAI
NETES MAI, a cura di Jessica Tanghetti e supportata da Cortesi Gallery, è la mostra personale di Maurizio Donzelli ospitata negli spazi di LDR22, nuovo boutique showroom che il noto celebrity matchmaker e collezionista Lucio Di Rosa ha aperto a Milano. Con riferimenti alla storia della città, e ai pattern che emergono da essa e dalla pratica dell’artista, la mostra celebra e reinterpreta, in termini contemporanei, l’arte dell’arazzo. La mostra pone poi uno sguardo al futuro traendo ispirazione dal passato: NETES MAI è l’invito a “non temere” riportato sugli arazzi Trivulzio realizzati su disegno del Bramantino e conservati presso il Castello Sforzesco, parte dei riferimenti dell’artista.
LDR22 location
Da martedì a sabato 11:00 - 13:00 e 14:30 - 19:00

Overall
La poetica di Paolo Icaro - uno dei protagonisti delle ricerche artistiche degli anni Sessanta, vicino all'esperienza dell'Arte Povera - è caratterizzata dal continuo superamento dell'idea di scultura in quanto oggetto, per trasformarla in processo, esperienza. La scultura diventa così più un'esigenza di esistenza che non di forma, che dà vita ad immagini di gravità e di leggerezza, di materia ed astrazione, di misura e dismisura. Decostruendo il linguaggio dell'azione scultorea, Icaro conduce una costante indagine sullo spazio e la sua percezione, e sulle infinite possibilità plastiche e metaforiche che i diversi materiali offrono. "La scultura si avvera quando do corpo all'idea che risiede nello spazio mentale" ha dichiarato l'artista.
Lia Rumma location
Da martedì a sabato 11:00 - 19:00

Cadavre Exquis
L.U.P.O. - Lorenzelli Projects è lieta di annunciare "Cadavre Exquis” prima personale in galleria di Giulia Messina. L'ispirazione per questa mostra è nata dall’idea di creare una cena performativa e giocosa che prenda vita all'interno dello spazio espositivo. Giulia Messina si avventura nel mondo del gioco del "Cadavere Squisito", un'attività non competitiva che sfida le convenzioni della creazione collaborativa, con ogni partecipante che ignora i contributi degli altri. Attraverso una serie di riferimenti cinematografici, tra cui il cult "Rocky Horror Picture Show" e "Il Cuoco, il Ladro, sua Moglie e l'Amante", Messina esplora il tema del banchetto e dell'antropofagia in un contesto grottesco e barocco, ma anche comico. Questa riflessione profonda sulle pratiche alimentari e sulla percezione del corpo umano invita il pubblico a esplorare concetti di attrazione e ribrezzo, oltre che di identità e mortalità. La mostra presenta opere che spaziano dalle installazioni alle performance, dalla pittura alla scultura, tutte unite da un filo conduttore che esplora il concetto di corpo e cibo come organismi viventi soggetti alla temporalità. Attraverso ceramiche e materiali organici, degradabili e mutevoli, Messina invita il pubblico a interrogarsi sul significato del corpo, del cadavere e dell'atto stesso di mangiare.
LUPO – Lorenzelli projects location
Da martedì a domenica 11:00 - 19:00

Tino Stefanoni
M77 presenta, da martedì 9 aprile a sabato 8 giugno 2024, il nuovo progetto espositivo dedicato all'artista Tino Stefanoni (Lecco, 1937-2017), che restituisce un prezioso affondo sulla ricca e variegata produzione dell'artista. Il progetto espositivo, a cura di Elizabeth Mangini, storica dell'arte e professoressa di Storia dell'Arte e Cultura Visiva al California College of the Arts di San Francisco, si snoda attraverso i due piani della galleria per costruire un racconto dagli anni Sessanta a oggi. Si parte dalle opere storiche, che svelano la fascinazione di Tino Stefanoni per gli oggetti del quotidiano sin dai primi esercizi realizzati tra la fine degli anni Settanta. Tazzine da caffè, imbuti, bicchieri, mestoli, buste da lettera, borse dell'acqua calda e matite compongono il repertorio dell'artista, declinato su tavola, su ferro, su tela per poi esterndersi fino alla scultura e all'installazione. Il percorso da mostra prosegue sino agli anni Ottanta, che vedono le ricerche dell'artista convogliate verso la rappresentazione di paesaggi dalle linee vaporose.
M77 location
Da martedì a sabato 11:00 - 18:30. Domenica 11:00 - 18:00

On ne fait pas ça
MASSIMODECARLO è lieta di presentare On ne fait pas ça, mostra personale dell'artista svizzero John Armleder. Manipolando i contrasti tra decorazione e kitsch, geometria e astrazione, il lavoro di Armleder si posiziona al confine tra umorismo e profondo rispetto per il mondo dell’arte. Armleder sfida le convenzioni dell'arte, della sua formulazione e della sua presentazione. Influenzato dal movimento Fluxus degli anni Sessanta e associato al Groupe Ecart di Ginevra, Armleder si ispira all'etica del compositore e artista americano John Cage. On ne fait pas ça presenta una retrospettiva del suo lavoro che va dal 1994 al 2023, dalle iconiche sculture di mobili di Armleder ai suoi più recenti “pour painintgs”.
MASSIMODECARLO location
Da martedì a domenica 15:00 - 19:00

Forever Young: The Dorian Gray Syndrome
La digital experience mette in mostra il modo in cui la società di oggi implementa soluzioni tecnologiche innovative per creare rappresentazioni di sé in tempo reale e in continua evoluzione. Un viaggio nella ricerca incessante dell’auto-rappresentazione ideale e sempre giovane di sé. Attraverso installazioni esperienziali interattive, gli artisti esplorano nuovi immaginari nel rappresentare il tema della longevità, in particolare attraverso tre prospettive: The Dorian Gray Paradox: il sogno di eterna giovinezza rappresentato dalla possibilità di beautification nel mondo digitale; The Digital Beyond: le frontiere dell’oltre e la possibilità di vita eterna offerta dal digitale; The Digital Human: le nuove dimensioni dell’identità e del corpo fisico nello spazio e nel tempo digitale.
MEET Digital Culture Center location
Da martedì a domenica 09:00 - 18:00

BRUT Milano
Le opere esposte narrano una dimensione creativa che non vuole più raccontare il mondo, ma alla maniera eraclitea “fare mondo”. Avere a che fare con l’arte “irregolare” significa scavalcare i recinti di quello che è il territorio dell’arte convenzionale, con le sue regole, con le sue dinamiche creative, con i suoi percorsi e le sue tappe consolidate in secoli di storia della committenza e del gusto. Si approda così in quel territorio non arato dalla cultura ufficiale, pieno di fiori inconsueti, assurdi,liberi. L’atto creativo dell’outsider appartiene ad una dimensione altra. C’è un che di rituale nel loro operare, lo stupore muove i loro gesti. Si offre al pubblico la possibilità di muoversi all’interno di questi personalissimi mondi appartenenti ai partecipanti, che ormai da tre anni, lavorano nell’atelier milanese di BRUT. A cura di Fondazione Giacomo Brodolini. In quest’esposizione i mondi interiori degli artisti, caratterizzati da una disabilità cognitiva-neurodiversità, vengono narrati senza filtri. I 9 partecipanti dell’Atelier milanese BRUT si raccontano, rivelando nella loro spontaneità psichica l’essenza originaria del loro essere. Stefano Gironi - 08.12.1989 “Kilometri di Arte” Fabio Moroni - 27.01.1960 “Forme e visioni dall’assoluto” Ivonne Jessica Cabrera - 27.06.2000 “Lady Watercolor” Gaetano Cervasio - 22.12.1998 “Esplosioni di colore” Sveva Landi - 30.11.2989 “ oltre il minamalismo” Eugenia Venturini - 03.08.1998 “Rainbow power” Martina Galipò - 04.03.1998 “Concept ART” Luca Verzino - 21.05.2002 “Grafite hb specialist” Francesca Zita Rosaria Burana - 07.10.1962 “Architetture in movimento”
Milano Luiss Hub location
Lunedì 14:30 - 19:30. Martedì, mercoledì, venerdì e domenica 09:30 - 19:30. Giovedì e sabato 09:30 - 22:30

Exposure. Arte, culture e moda dentro e fuori le vetrine
Introdotta dall’intervento speciale di Theo Eshetu Crocodile on a ceiling nelle sale della Collezione Permanente, la mostra Exposure riflette sulla tradizionale concezione della vetrina e sulla sua centralità nei progetti espositivi. La vetrina espone e al contempo separa l’oggetto e, in particolare nei musei etnografici, il suo effetto “neutralizzante” colpisce le opere, isolandole, privandole di contesto e funzione originari. Alla sezione dedicata alla storia della vetrina negli allestimenti museali classici, segue quella dedicata al suo ruolo nel mondo dei negozi. Chiudono il percorso un focus sulla teca espositiva nella pratica dell’arte contemporanea e un’installazione inedita di Monia Ben Hamouda (1991). Artisti presenti in mostra: Monia Ben Hamouda, Mark Dion, Sam Durant, Theo Eshetu, Damien Hirst, Candida Höfer, Giancarlo Iliprandi, Gene Moore, Roberto Sambonet, Albe Steiner.
MUDEC – Museo delle Culture location
Lunedì 14:30 - 19:30. Martedì, mercoledì, venerdì, domenica 09:30 - 19:30. Giovedì e sabato 09:30 - 22:30

Martin Parr. Short&Sweet
Una mostra curata in prima persona dall’artista che ripercorre oltre cinquant’anni di carriera, dai primi lavori in bianco e nero fino ai temi più cari a Parr – dalle ‘vite da spiaggia’ al turismo.
MUDEC – Museo delle Culture location
Lunedì 14:30 - 19:30. Martedì, mercoledì, venerdì, domenica 09:30 - 19:30. Giovedì e sabato 09:30 - 22:30

Tatuaggio. Storie dal Mediterraneo

Un progetto espositivo che affronta il tatuaggio dal punto di vista storico, antropologico e culturale, analizzando forme, significati e funzioni che questo antichissimo fenomeno globale ha assunto del corso dei millenni.
MUDEC – Museo delle Culture location
Lunedì 14:30 - 19:30. Martedì, mercoledì, venerdì, domenica 09:30 - 19:30. Giovedì e sabato 09:30 - 22:30

Picasso. La metamorfosi della figura
La mostra ripercorre la ricchissima produzione del grande Pablo Picasso, dalle opere giovanili fino alle più tarde, alla luce del suo amore per le fonti artistiche ‘primigenie’, per l’‘arte primitiva’.
MUDEC – Museo delle Culture location
Da lunedì a domenica 15:00 - 19:00

Calzini e galline
Due artiste, due donne che, ciascuna con un proprio percorso, giungono ad utilizzare l’autoritratto come luogo di osservazione della realtà. I supporti sono spesso grandi, tanto da consentire la rappresentazione dei soggetti in scala reale: su tele nude, come spesso sono le figure che su esse prendono sembianze. Scarnificate, disarticolate, le forme sono una versione di sé segnata da poche pennellate e da molta vita. Dallo spazio del quadro, in una sorta di realismo alternativo all’immaginario feticistico che il mainstream dei social e dell’omologazione ci propone come canone di bellezza, le artiste, autoritratte, invece che cercare di attrarci e farsi guardare, ci guardano, senza clemenza ma anche senza giudizio, così come fa l’arte più autentica. Durante le giornate di Milano Art Week il pubblico potrà incontrare le artiste in galleria, secondo un calendario che sarà reso pubblico attraverso i canali di comunicazione web indicati a seguire. Lunedì 8 Aprile - Evento collaterale: Irene Barra, Il vaso in una mano - intervista talk con l'artista. Martedì 9 Aprile ore 19:30 – Anna Nutini, intervista talk con l’artista. Giovedì 11 Aprile ore 19:30 - Rachele Cicerchia e Anna Nutini, l’intervista doppia. Sabato 13 Aprile ore 17:30 – Closing party.
MUNIMOR location
Domenica 10:00 - 19:30

HARIS EPAMINONDA. VOL. XXXI: Futurism Drama
Il Museo del Novecento ospita "VOL. XXXI: Futurism Drama", progetto site-specific dell'artista cipriota Haris Epaminonda. L’esposizione, promossa dalla Fondazione Henraux e a cura di Edoardo Bonaspetti, avvia nella Galleria del Futurismo un dialogo tra le espressioni dell’avanguardia, la scultura di Medardo Rosso e la ricerca dell’artista. Epaminonda, vincitrice della prima edizione di Fondazione Henraux Sculpture Commission, realizza articolate installazioni che intersecano piani e visioni poetiche, in cui la meticolosa ricercatezza formale convive con le dimensioni del non finito. In un tempo che ci appare sempre più diviso e incerto, l’artista ricorda con le sue composizioni non solo l’importanza della connessione tra pensieri e tradizioni culturali diverse ma anche il valore e la qualità che possono assumere nuovi mondi possibili.
Museo del Novecento location
Domenica 10:00 - 19:30

MAGALI REUS - OFF SCRIPT Premio Arnaldo Pomodoro per la scultura
In occasione di Milano Art Week, Museo del Novecento presenta una mostra-focus dedicata all’artista olandese Magali Reus, a cura di Federico Giani, vincitrice della VII edizione del Premio Arnaldo Pomodoro per la Scultura. Nella sua pratica Reus accumula immagini e oggetti della vita di tutti i giorni, stravolgendoli e reinventandoli attraverso la costruzione di meticolosi puzzle scultorei, nei quali il sapere artigianale si miscela con l’applicazione delle nuove tecnologie. Abbracciando in un certo senso l’eredità dello sguardo della Pop Art sulla banalità del quotidiano, Reus isola e estrania una realtà a prima vista riconoscibile, spalancando davanti agli occhi dell’osservatore nuove prospettive di approccio e di comprensione sul mondo che ci circonda.
Museo del Novecento location
Domenica 10:00 - 19:30

MASBEDO. Ritratto di Città (20/20.000Hz)
Museo del Novecento di Milano presenta “Ritratto di Città”, progetto di Masbedo (Iacopo Bedogni e Niccolò Massazza) a cura di Cloe Piccoli, che nasce dalla partecipazione degli artisti al bando Italian Council XI del Ministero dei Beni Culturali. Ritratto di Città, grande installazione audio- video multi-canale, parla della rinascita culturale di Milano: dalla musica elettronica dello Studio di Fonologia RAI, dalle invenzioni di Luciano Berio e Bruno Maderna, lo sguardo si allarga all’architettura, (BBPR), all’arte (Lucio Fontana), al cinema (Michelangelo Antonioni), alla grafica. Il racconto attraversa epoche e discipline e arriva fino al contemporaneo, mettendo al centro innovazione, visione e spirito democratico di Milano.
Museo del Novecento location
Domenica 10:00 - 19:30

ARCHIVIALE_001. Dal 1940 a oggi - Istantanee dalle Gallerie d'arte di Milano
Archiviale_001 è il primo capitolo di una ricerca che intende ricostruire oltre settant’anni di storia delle gallerie private di Milano con le loro scelte artistiche, le relazioni internazionali, gli eventi d’avanguardia, gli incontri con gli artisti. In mostra immagini fotografiche, biglietti di invito, piccoli cataloghi, carte e carteggi. Promossa dalla Milano Art Community, il network che raccoglie le più importanti gallerie e istituzioni della città di Milano, e ospitata negli spazi degli Archivi del Novecento, al 4° piano del Museo del Novecento, questo progetto è anche il primo tassello di una collaborazione tra le istituzioni pubbliche e le più interessanti iniziative collegiali private.
Museo del Novecento location
Da martedì a domenica 10:00 - 17:30

Botanica illustrata. 40 anni di piante e giardini raccontati da Gardenia e dai suoi illustratori
Gardenia, la rivista italiana di riferimento per il giardinaggio e la cultura del verde, festeggia i suoi 40 anni riunendo in una mostra le tavole originali di artisti e illustratori pubblicate sulle sue pagine dal 1984 a oggi. Un'occasione per scoprire come nasce un'illustrazione botanica, uno degli elementi che da sempre rendono inconfondibile questo mensile, e ammirare opere uniche firmate dai tanti autori di spicco italiani e stranieri che hanno lavorato per la testata: dalle copertine alle tavole botaniche, dai disegni per la progettazione di terrazzi e spazi verdi ai lavori che illustrano l'Agenda pubblicata ogni anno.
Museo di Storia Naturale location
Da martedì a domenica 10:00 - 18:00. Mercoledì apertura straordinaria fino alle ore 21:00

Giovanni Bellini, il Compianto dai Musei Vaticani. Quattro artisti contemporanei in dialogo con un capolavoro
Il Museo Diocesano Carlo Maria Martini propone l’esposizione del Compianto di Giovanni Bellini, capolavoro del maestro veneziano, conservato nei Musei Vaticani. La tavola costituiva in origine la cimasa per la pala realizzata da Bellini fra il 1472 e il 1474 per l’altare maggiore della chiesa di San Francesco a Pesaro, capolavoro che segna la maturità del pittore e sigla il suo ruolo di caposcuola della pittura veneziana. L’esposizione si completa con la sezione Davanti a Bellini, realizzata in collaborazione con Casa Testori: quattro artisti contemporanei - LETIA Letizia Cariello, Emma Ciceri, Francesco De Grandi e Andrea Mastrovito - sono stati chiamati a un dialogo con il capolavoro belliniano, e ad una riflessione sui temi suggeriti dall’opera: la morte, il dolore, ma anche il valore della cura.
Museo Diocesano Carlo Maria Martini location
Da lunedì a domenica 09:30 - 17:30

Fantasmagoria Callas
Il Teatro alla Scala presenta, fino a martedì 30 aprile 2024, la mostra “Fantasmagoria Callas”, a cura di Francesco Stocchi con allestimento di Margherita Palli e dedicata al soprano Maria Callas (New York, 2 dicembre 1923 – Parigi, 16 settembre 1977) presso il Museo Teatrale alla Scala, nell’ambito del palinsesto CALLAS 100. La mostra costruisce un itinerario articolato in cinque tappe dove ciascun capitolo è affidato a una diversa espressione artistica. Attraverso l’interpretazione dello stilista Giorgio Armani, del musicista e compositore Alvin Curran, degli artisti contemporanei Latifa Echakhch e Francesco Vezzoli e del regista Mario Martone, la figura di Maria Callas emerge da una narrazione corale e multidisciplinare, pensata appositamente per l’occasione.
Museo Teatrale alla Scala location
Da mercoledì a sabato 14:30 - 19:00

Death by GPS
Salvatore Vitale in Death by GPS esamina come i pregiudizi nell'automazione influenzino le relazioni tra individui, il lavoro e le strutture sociali, generando nuove forme di sfruttamento. La prima parte dell'opera traccia parallelismi con le lotte storiche della classe lavoratrice contro le macchine, concentrando l'attenzione sulla regione del Gauteng, in Sudafrica, e la connessione tra l'economia della gig economy, l'industria estrattiva e il sabotaggio tecnologico. Il progetto è una storia che si estende dalle profondità delle miniere d'oro sudafricane alle stanze dei liberi professionisti, dove l'era tecnologica si sta sviluppando. Death by GPS assume incorpora documentario, finzione e narrazione generativa con il coinvolgimento di vari liberi professionisti assunti attraverso piattaforme online di lavoro occasionale per creare contenuti. Il progetto è stato presentato per la prima volta presso il MAST di Bologna nel 2023.
Ncontemporary location
Da lunedì a domenica 12:30 - 18:30

Istantanee
OPR Gallery è lieta di presentare Istantanee di Ettore Tripodi, una serie di disegni sospesi, soggetti rubati a una dimensione inconscia, una proiezione fantastica di ciò che è stato, che poteva accadere, che è accaduto in un luogo ancora inesplorato. La mostra si compone di opere su carta, dipinti su tavola e 2 tessuti Jacquard di grande formato. Ad accompagnare la mostra il libro Ettore Tripodi – Disegni 2022/2023 edito da Magütt publishing, con un saggio di Sofia Silva, che raccoglie tutti i disegni presenti in mostra, mentre in sala è presente un testo di Anna Dumont, storica del tessuto, che introduce il lavoro sui tessuti Jacquard, mettendoli in relazione con la pittura.
OPR Gallery location
Da mercoledì a sabato 14:00 - 19:00

I quattro dal benzinaio
Ordet è lieta di presentare Die Vier von der Tankstelle, un’installazione di Jos de Gruyter e Harald Thys. La mostra prende il titolo da un’operetta cinematografica tedesca del 1930. Ogni impressione di disinvolto intrattenimento, tuttavia, è dissipata dalla melodia proveniente a intermittenza da una berlina nera: due brani della Nona e Settima Sinfonia di Beethoven condotti da Wilhelm Furtwängler echeggiano nello spazio. La Mercedes Benz e i suoi occupanti, quattro manichini ibridizzati di pastori tedeschi in uniforme, non sembrano esattamente usciti da una fiaba. Angoscianti, immobili ma famelici, appaiono all’inseguimento, ma anche in fuga. Le loro motivazioni possono non essere esplicitate, ma non è necessaria alcuna delucidazione o avvertimento per rendersi conto che non sono sazi.
Ordet location
Da giovedì a domenica 11:00 - 20:00

PASOS, la Collezione spagnola cammina con il Contemporaneo
PASOS rappresenta un dialogo stimolante tra l’espressione artistica spagnola degli Anni Sessanta e il linguaggio contemporaneo dell’Arte urbana incarnato dal collettivo Orticanoodles. Le opere astratte di Antoni Tàpies, la poesia visiva di Rafael Alberti e il realismo di Amalia Avia, tutte intense e vigorose, si confrontano con opere inedite del collettivo milanese, ispirate alla Collezione spagnola della Camera del Lavoro Metropolitana di Milano. È un dialogo interculturale che si sviluppa all’interno della ricerca artistica, trovando la sua massima espressione nella Pop Art di Equipo Crònica. Questa mostra non vuole solo celebrare la diversità culturale, vuole anche sottolineare la potenza dell’arte nel favorire la comprensione e il rispetto reciproci. PASOS vuole incoraggiare riflessioni profonde sulla storia, la memoria collettiva e il ruolo dell’arte nella società contemporanea. PASOS vuole rappresentare un’opportunità di fruimento dell’estetica e dell’innovazione artistiche e insieme di promuozione della coesione sociale attraverso la cultura e la condivisione di esperienze umane universali.
OrMe Ortica Memoria location
Da mercoledì a lunedì 10:00 - 19:00

Pino Pascali
Fondazione Prada presenta un’ampia retrospettiva dedicata all’artista italiano Pino Pascali (1935-1968). Il progetto approfondisce il carattere innovativo della sua opera, specialmente in relazione alla produzione scultorea, che negli ultimi cinquant’anni ha avuto un impatto fondamentale su diverse generazioni di artisti e critici e continua ad attirare l’attenzione del pubblico internazionale. A cura di Mark Godfrey, la mostra si divide in quattro sezioni, ciascuna delle quali propone una precisa prospettiva sulla produzione di Pascali, e si sviluppa in tre edifici della sede di Milano. Concepito da 2×4, il percorso allestitivo include quarantanove opere di Pino Pascali provenienti da musei italiani e internazionali e da prestigiose collezioni private; nove lavori di artisti del secondo dopoguerra; una selezione di fotografie e un video che ritraggono l’artista con le sue opere.
Fondazione Prada location
Martedì, mercoledì e domenica 10:00 - 19:30. Giovedì e venerdì 10:00 - 22:30

Adrian Piper. Race traitor
Prima retrospettiva europea dopo oltre vent’anni dedicata all’artista Adrian Piper (1948 , New York) vincitrice del Leone d’Oro come miglior artista alla Biennale di Venezia 2015. La mostra ripercorre oltre sessant’anni di carriera, con importanti prestiti internazionali provenienti dai più prestigiosi musei, tra i quali il MoMA e il Guggenheim di New York, il MoMA di San Francisco, l’MCA di Chicago, il MOCA di Los Angeles e la Tate Modern di Londra. drian Piper solleva domande spesso scomode sulla politica, sull’identità razziale e di genere, e chiede alle persone di confrontarsi con verità su sé stesse e sulla società in cui vivono. Il fulcro della sua pratica filosofica, artistica e attivista è il concetto di lotta permanente contro il razzismo, la misoginia, la xenofobia, l’ingiustizia sociale e l’odio.
PAC Padiglione d'Arte Contemporanea location
Da mercoledì a sabato 14:00 - 19:00

Loris Cecchini, The air between the leaves
In occasione della Milano Art Week, ritorna il consueto appuntamento con il progetto Law is Art! di LCA Studio Legale a Palazzo Borromeo. Quest’anno sarà l’artista Loris Cecchini a presentare «The air between the leaves», risultato della sua produzione più recente, offrendo uno sguardo sulla continua trasformazione della natura e sulla complessità delle relazioni tra arte, scienza e ambiente. Ispirato dai cicli stagionali e dalle forme organiche della natura, Cecchini esplora il concetto di crescita e cambiamento attraverso una combinazione di colori, forme e strutture multiformi. Una mostra di LCA con la collaborazione di Galleria Continua, Antonini Milano, Kruso Kapital, ARTE Generali e Apice.
Palazzo Borromeo location
Da lunedì a sabato 11:00 - 18:00

Brand New Love
Peres Projects è lieta di presentare Brand New Love, una mostra di nuovi dipinti di Daniele Toneatti (Venezia, 1989), che segna il debutto dell’artista con la galleria e la sua prima personale in Italia. Sfumare i confini é centrale nella pratica artistica di Daniele Toneatti. In Brand New Love la figurazione si dissolve nell’astrazione e i virtuosismi tecnici convivono con linguaggi intuitivi e viscerali. I dipinti ad olio, reminiscenti di grezzi schizzi a carboncino, si trovano in uno stato di incompletezza permanente, accanto ad altre opere completate e successivamente ri-operate. Il processo stesso di creare quadri è atomizzato, e ogni suo costituente riceve parimenti attenzione ed importanza. Come i pezzi di un puzzle, disegno, colore e soggetto vengono rielaborati in miriadi di combinazioni, mentre lo studio dell’artista sembra infiltrarsi nello spazio espositivo. Influenzato da approcci e teorie postmoderni, per i quali l’interpretazione trascende la creazione, Toneatti coltiva una singolare pratica di appropriazione. L’artista raccoglie immagini trovate, che vanno dalle fotografie di archivio a riferimenti storici dell’arte, e le dipinge remixandole e campionandole in un corpo di lavoro complesso. In just before they split (2023), Toneatti dipinge una fotografia di un dipinto incorniciato di Jean-Honoré Fragonard. Nella sua interpretazione della composizione del pittore rococò francese, pennellate sfocate e ruvide enfatizzano la natura transitoria e sensuale dell’abbraccio, oscurando l’identificazione dell’immagine di origine. In Classic Impression (2023), invece, Toneatti ricrea attraverso una lente romantica una fotografia di un ragazzo in sovrappeso seduto sulla spiaggia. Qui, le sue pennellate delicate e il suo colore pastello infondono all’immagine una tenerezza e un fascino che ricordano il lavoro del pittore post-impressionista Pierre Bonnard. Cosı̀ facendo, Toneatti si confronta con una linea di artisti che immaginano un modo rinnovato di fare arte riformulando, rimettendo in scena e reinterpretando immagini esistenti per produrre nuovi contesti e significati. “Sotto una foto c’è sempre un’altra foto”, scrisse Douglas Crimp in October nella primavera del 1979, riflettendo sulla mostra Pictures che curò due anni prima, introducendo una nuova generazione di artisti poi conosciuta come la Pictures Generation - una fonte ricorrente di interesse per Toneatti. Proprio come la Pictures Generation riconosceva o reagiva all’influenza crescente dei media di massa nella formazione della cultura, la pratica di Toneatti risuona con i modelli attuali di consumo visivo nell’economia delle immagini di oggi. Il suo corpus di opere si confronta con l’ubiquità delle immagini nella vita contemporanea, enfatizzando la loro circolazione attraverso le attuali frontiere e gerarchie porose che un tempo davano struttura agli ecosistemi culturali. Una permeabilità evidente anche nella diversità formale del lavoro stesso. Brand New Love illustra anche l’infinita varietà stilistica della pratica di Toneatti e la fluidità con cui si muove da un linguaggio pittorico all’altro. Oltre che una riflessione sulla nostra società attuale guidata dalle immagini, il lavoro di Toneatti è un dialogo personale e appassionato con la storia dell’arte. Ogni opera cattura un incontro con un’immagine, tradotto sulla tela attraverso approcci pittorici diversi, liberi da formule o soluzioni prestabilite. L’artista, che tratta ogni quadro come una pagina di un diario, scava e registra le immagini che permangono nella sua memoria, simili a persistenze retiniche, seppellendole talvolta sotto nuovi strati di immagini. Opere come Don’t Look Now (2023) e Romantic Painting (2023) presentano una superficie densa simile a un palinsesto, stratificata con una moltitudine di motivi intrecciati che si cancellano e si completano simultaneamente; in altre opere, come flight of ideas (2023) e hard truths (2023), la tela funge da blocco per gli schizzi, dove un medesimo motivo viene ripetuto e rivisto piú volte. Nel lavoro di Toneatti, processo e prodotto hanno la stessa importanza. La sua enfasi sul frammentato e sull’incompiuto rimanda al concetto di “pittura provvisoria” di Raphael Rubinstein, descritto in un articolo omonimo pubblicato su Art in America nel 2009: opere che sembrano “casuali, affrettate, tentative, incomplete, autonullificanti”. Abbracciando il dubbio e l’incertezza anziché la monumentalità e la permanenza, Toneatti adotta un approccio umile. Questo è particolarmente evidente in Venetian Red (2023), un dipinto derivato da una foto di una foto di Cindy Sherman, scattata durante una retrospettiva del lavoro dell’artista americana. Le distese di tonalità rosse che dominano gran parte della tela sono in realtà le dita di Toneatti che oscurano parzialmente ma deliberatamente l’obiettivo della fotocamera. Questa immagine, catturata furtivamente, racchiude un momento di devozione e timidezza. Nello spazio espositivo, i dipinti sono disposti in gruppi, favorendo libere associazioni di immagini e idee. Collegamenti invisibili connettono le opere, formando costellazioni misteriose mentre l’artista svela il proprio viaggio attraverso la cultura visiva e la storia dell’arte. Mentre le immagini di Toneatti emanano un senso di déjà vu, molti dei riferimenti da cui attinge rimangono sfuggenti. Questa sensazione di incertezza svincola le immagini dai loro limiti, consentendo allo spettatore di collegare le opere con il proprio archivio immaginifico mentale. Attraverso processi di selezione, assimilazione, riformulazione, Toneatti interrompe il flusso di immagini che ci sommerge ogni giorno - Brand New Love incarna un modo rinnovato e anche romantico di assorbire le immagini, invitandoci a riflettere sul nostro personale pantheon iconografico. Brand New Love è la prima personale di Daniele Toneatti con la galleria Peres Projects. Toneatti ha debuttato con una personale a Open Forum a Berlino nel 2023: intitolata Das Ding, la mostra esplorava il nichilismo delle immagini, mettendo in discussione l’appiattimento della cultura e delle nostre esperienze estetiche.
Peres Projects location
Mercoledì 18:30 - 21:00. Da giovedì a domenica 10:30 - 20:30

Ground Break
La retrospettiva raccoglie per la prima volta una selezione di opere che indaga la ricerca di Nari Ward con la performatività e i progetti incentrati sulla collaborazione. Con un focus specifico su opere basate sull’idea di tempo, tra cui video, lavori sonori, sculture performative e installazioni, la mostra esplora la pratica trentennale dell’artista, presentando sia opere storiche e seminali sia nuove produzioni. La narrazione si snoda attraverso le installazioni di grande formato che Ward realizza tra il 1996 e il 2000 per la coreografia Geography Trilogy di Ralph Lemon. Il concetto di performatività anima la mostra stessa, caratterizzata da un programma di azioni collaborative dal vivo che si svolgeranno durante l’esposizione.
Pirelli HangarBicocca location
Da mercoledì a domenica 10:30 - 20:30

Chiamare a raduno. Sorelle. Falene e Fiammelle. Ossa di leonesse, pietre e serpentesse.
La mostra raduna il corpus più ampio delle opere di Chiara Camoni mai presentato e, insieme a una serie di nuove produzioni, dà vita a un’architettura di collettività e raccoglimento, ispirata nelle forme al giardino all’italiana tardo-rinascimentale e agli anfiteatri antichi. Il disegno simmetrico e radiale della pianta crea corridoi e stanze, strade e ambienti, che dividono lo spazio in aree dove i visitatori possono sostare o dialogare. Tra le opere, un’ampia selezione di sculture in terracotta come le figure antropomorfe dalla serie Sisters. Insieme alle isole scultoree come i pavimenti in ceramica e le tende composte di stampe vegetali, saranno esposte nuove opere figurative ispirate al vocabolario dei bestiari medievali in materiali come onice, pietra leccese e alluminio.
Pirelli HangarBicocca location
Da mercoledì a domenica 14:00 - 19:00

Fiori di maggio a febbraio
"Succede che da una parte avevo cominciato a lavorare in uno spazio preciso, ampio e luminoso ma allo stesso tempo la cornice del mondo fuori rivelava uno scenario alle prese con incessanti oscillazioni e crepe nelle strutture del suo significato". Mettendo al centro del suo interesse due aspetti fondamentali della pittura, spesso indiscusse, come la base bianca liscia e perfetta della tela e i colori mescolati lasciati a margine nella tavolozza, Pablo Candiloro ci racconta un giardino invernale dove le macchie perse dei colori diventano fiori.
Playlist by Galleria Gianpaolo Abbondio location
Da giovedì a sabato 15:00 - 19:00

Iene
La Galleria Raffaella De Chirico Arte contemporanea presenta una personale dell’artista Sergio Ragalzi dal titolo “Iene”, con riferimento proprio all’omonimo ciclo di opere esposte negli spazi della galleria. Il ciclo di lavori, che risale agli anni Ottanta ed è quasi interamente inedito, vede come protagoniste le teste scheletriche di questi mammiferi selvatici rievocate nella loro natura spaventosa, ripetute come moduli nelle varie tele. Nella mostra, alle tele verranno accostate alcune sculture di recentissima produzione in acciaio corten verniciato, rappresentanti delle teste di scimmia - proseguendo un’indagine che viene portata avanti dall’artista già dagli anni Novanta - quelle stesse scimmie che nella loro versione pittorica venivano definite da Sargentini “pervicacemente umane”.
Raffaella De Chirico Arte Contemporanea location
Martedì e mercoledì 15:30 - 19:30. Da giovedì a sabato 11:00 - 19:30

All these waves
Renata Fabbri è lieta di annunciare All These Waves, la prima personale in Italia di Dominika Kowynia (1978, Sosnowiec, Polonia). Intrecciando eventi di attualità e letteratura con frammenti legati al suo trascorso individuale, la sua ricerca pittorica trova spinta a partire da questioni legate al contesto polacco contemporaneo: lotte femministe, problematiche migratorie, ingiustizie sociali, crisi climatica. Attingendo all’esperienza personale, l’artista mette in luce i retaggi di una cultura patriarcale tutt’oggi radicata nella società. Evocativo di un moto plurale e perpetuo, il titolo riporta alla mente la forza delle lotte femministe nella storia e delle odierne battaglie per il riconoscimento dei propri diritti.
Renata Fabbri location
Da martedì a sabato 15:00 - 19:30

Stefano Perrone - Stunning Free Images to Use Anywhere
Prima personale di Stefano Perrone (Monza, 1985, vive e lavora tra Milano e Parigi). La sua pittura indaga il rapporto del singolo con la società e le sue interazioni con la comunità, privilegiando la rappresentazione di soggetti o oggetti del quotidiano tratti da immagini reperite sul web o sui social network e successivamente rielaborate. Le opere realizzate per questa mostra nascono da un’attenta riflessione sull’immagine e sul suo significato altro. Non valgono in quanto rappresentazione ma divengono occasione per aprire un ragionamento più ampio sulla diffusione incontrollata in rete di file fotografici, generalmente attraverso motori di ricerca o canali social, e sul loro paradosso.
RIBOT Gallery location
Da mercoledì a venerdì 14:00 - 19:30. Sabato 10:00 - 13:00 e 14:00 - 19:30

STANLEY BROUWN - This way
Nato a Paramaribo, Suriname, nel 1935, e residente ad Amsterdam, Stanley Brouwn era un artista concettuale noto per le sue opere minimaliste che spesso sfidavano le nozioni tradizionali di arte e percezione. La pratica artistica di Brouwn era profondamente radicata nell'esplorazione della relazione tra spazio, misurazione e interazione umana. Una delle serie più famose di Brouwn è il suo progetto "This Way Brouwn", iniziato alla fine degli anni '60. Brouwn si avvicinava alle persone per strada e chiedeva loro di fornire indicazioni da un luogo all'altro. Quindi documentava le loro risposte, spesso sottoforma di note o mappe scritte a mano, senza alcun commento o interpretazione aggiuntiva. Attraverso questo processo, Brouwn ha cercato di indagare la natura soggettiva della percezione spaziale e l’influenza dell’esperienza individuale sul modo in cui navighiamo e comprendiamo il mondo che ci circonda. Un altro aspetto significativo della pratica di Brouwn è stato il suo interesse per il concetto di misurazione. Ha spesso esplorato idee legate alla distanza, alla scala e alle proporzioni, spesso utilizzando materiali semplici come legno, carta, cartone e spago per creare le sue opere. In tal modo, l’artista ha messo in discussione i sistemi di misurazione standardizzati che governano la nostra comprensione dello spazio ed ha incoraggiato gli spettatori a riconsiderare la propria percezione della distanza e delle dimensioni. Le opere "Measurements" di Stanley Brouwn approfondiscono la complessità della quantificazione e dell'interazione umana con lo spazio. Attraverso questa serie, l’artista invita i partecipanti a fornire le proprie misurazioni di oggetti e distanze, sfidando le nozioni tradizionali di accuratezza e obiettività. Cedendo il controllo agli altri, Brouwn evidenzia la natura soggettiva della misurazione e l'influenza della prospettiva personale. Il suo approccio minimalista spinge gli spettatori a riconsiderare il loro rapporto con la quantificazione, sottolineando il ruolo dell’esperienza individuale nel plasmare la nostra comprensione del mondo. Nel suo lavoro Brouwn si occupò anche di temi filosofici come la natura dell'esistenza e il rapporto tra l'individuo e il collettivo. Incoraggiando la partecipazione altrui ed enfatizzando il ruolo dell'interazione umana nella creazione e nell'interpretazione dell'arte, ha sfidato l'idea convenzionale dell'artista come genio solitario e ha invece enfatizzato la natura collaborativa dell'espressione creativa. Nel corso della sua carriera, Brouwn è rimasto impegnato nell'esplorazione degli aspetti fondamentali dell'esperienza umana attraverso la sua arte, spesso utilizzando gesti e materiali semplici per provocare domande profonde sulla percezione, lo spazio e la natura della realtà. Il suo lavoro continua a influenzare artisti e pensatori contemporanei, ricordando il potere dell'arte di sfidare le ipotesi, provocare il pensiero ed espandere la nostra comprensione del mondo.
Settantaventidue location
Da mercoledì a venerdì 14:00 - 19:30. Sabato 10:00 - 13:00 e 14:00 - 19:30

Hanne Lippard

La mostra porta a Milano la ricerca visiva ed acustica dell’artista norvegese Hanne Lippard, la cui pratica affonda nella confluenza fra parola scritta e parola verbalizzata.
Settantaventidue location
Da mercoledì a venerdì 14:00 - 19:30. Sabato 10:00 - 13:00 e 14:00 - 19:30

Architettura Radicale
Mostra che ripercorre - attraverso documenti originali - l’esperienza e la sperimentazione utopica portata avanti fra i primi anni Sessanta e la metà degli anni Settanta da gruppi e singoli architetti in Italia, Inghilterra, Austria e Germania. Artisti coinvolti: Paolo Soleri, Gianni Pettena, Ettore Sottsass, Superstudio, Archizoom, Gruppo UFO, Gruppo 9999, Haus-Rucker-Co, COOP-Himmelblau, Archigram.
Settantaventidue location
Da venerdì a domenica 10:30 - 13:00 e 14:00 - 19:00

Bruno Munari Antropocene
Bruno Munari, già a metà degli anni '50 e dunque molto prima che il termine Antropocene prendesse forma, si era chiesto quali tracce avrebbe lasciato nel nostro pianeta la presenza dell'uomo. Ponendosi come sempre nel ruolo di osservatore esterno, immagina di essere migliaia di anni nel futuro e, come un archeologo, di dover ricostruire la società a partire da una serie di reperti ritrovati nel metacrilato. Nella mostra Bruno Munari Antropocene saranno esposti alcuni Fossili del 2000, libri e fascicoli di Memorie della Società Italiana di Scienze Naturali del Museo di Storia Naturale di Milano, una cassetta entomologica e altri oggetti rari e sorprendenti provenienti da epoche lontane o che racchiudono storie antichissime, oltre a una serie di opere provenienti dalla collezione privata dei nipoti Bruno Munari e Valeria Munari Cattin, che con Corraini collaborano alla realizzazione di Spazio Munari.
Spazio Munari location
Sabato e domenica 16:00 - 20:00

Catching The Ray
Catching The Ray trae ispirazione dalle opere di Jules Verne ed Eric Rohmer, esplorando la fugace bellezza dei momenti effimeri. Yue Zhao e Sante Saponaro trasformano oggetti trovati in veicoli della memoria, invitando gli spettatori in un viaggio di scoperta. La mostra, influenzata dalle intuizioni di Michel Serres sulle realtà virtuali e fisiche, affronta la fluidità e le interconnessioni esistenziali. La tecnologia VR arricchisce l'esperienza ospitata nello studio di architettura di Renato Arrigo, omaggiando i processi artistici e architettonici. All'interno dello spazio, i confini tra realtà e immaginazione si dissolvono, l'atmosfera, la luce e il suono sollecitano l'introspezione. Si è invitati ad immergersi in un regno dove nostalgia e possibilità, ricordi e percezioni si fondono.
Studio Renato Arrigo location
Da martedì a venerdì 15:00 - 19:00. Sabato 11:00 - 19:00

Mutative Transitions into Organic Utopia
Tempesta Gallery presenta per la prima volta a Milano l'installazione e le opere biofuturistiche dell'artista ucraino Aljoscha. Le opere presentano forme traslucide e colorate che invitano alla riflessione sulla relazione tra biologia e estetica proponendo una visione del mondo dove la sofferenza è abolita e la diversità celebrata. Le sue creazioni, sospese nello spazio della galleria, suggeriscono un futuro dove scienza, filosofia e arte si fondono per immaginare un paradiso terrestre guidato dalla comprensione etica e dalla ricerca della pace.
Tempesta Gallery location
Da martedì a sabato 11:00 - 19:30. Domenica 11:00 - 18:00

Shifting skins
Tre artisti che cambiano la pelle e creano interfacce di nuovi mondi svelando superfici magnetiche e glaciali o cortecce che si contorcono rivelando un’identità inattesa e straniante. Mutano la Pelle, la nostra epidermide, superficie che ci contiene e che offre al mondo solo l’esteriorità di noi stessi. Matthew Allen (New Zealand 1981) sollecita la materia. La polvere di graffite, compattata sulla superficie, diventa una pelle solida tirata quasi specchiante. Inma Femenía (Spain 1985) manipola fotogrammi di circuiti di videosorveglianza e immagini digitali che poi imprime su pelli di PVC o su lastre d’alluminio che poi accartoccia. Lyz Parayzo (Brazil 1994) costruisce conturbanti oggetti taglienti come rasoi, atti a lacerare la pelle, ma anche necessari per difendere la propria pelle.
The Flat – Massimo Carasi location
Da lunedì a venerdì 16:00 - 18:00. Aperture straordinarie sabato e domenica 10:00 - 18:00

Intimus
Il progetto fotografico Intimus di Jacques Pion debutta in Italia dal 5 aprile 2024, con una preziosa pubblicazione edita da DATZ Books e un’esposizione temporanea, curata da Mariateresa Cerretelli e realizzata nel chiostro di The Mill, in Via Cappuccio 7 a Milano. Intimus prende il via a partire dal tempo che Jacques Pion dedica all’esplorazione degli scenari della faggeta del Melogno (Liguria). L’anima e l’essenza della foresta sono protagoniste della selezione di 44 immagini che il fotografo realizza e che vedono il bosco svelarsi sotto il suo sguardo. Ritratta in diversi momenti della giornata e nel corso di differenti fasi della sua vita, la faggeta si rivela in tutta la sua magnificenza attraverso un attento uso della macchina fotografica, in un viaggio introspettivo e meditativo.
The Mill location
Da giovedì a domenica 11:00 - 19:30

Komorebi a Milano
Finesettimana.Milano apre al pubblico in occasione di eventi legati all’arte e al design solo nei fine settimana, dal giovedì sera alla domenica, a evidenziare la doppia natura dello spazio inteso come luogo di fusione tra le diverse forme d’arte. Thomas Zangaro Studio e’ uno studio d’interior ed exhibition design situato tra l’emergente e innovativo quartiere di Scalo Romana e la zona Bocconi. Lo studio, del giovane designer under 35, si occupa di progettazioni d’interni e di allestimenti e ha collaborato a importanti eventi legati alla moda e al design. La nuova sede è un open space di 200 mq, il cui scheletro in cemento armato dai tratti brutalisti, entra in dialogo con arredi disegnati dallo studio, icone del design o pezzi ritrovati in cantieri o ville ristrutturate dallo studio, il tutto sviluppato su uno sfondo viola, distintivo dell’immagine dello studio.Qui si ritrova nuova contemporaneità nell’estetica ma anche nel concetto di studio. Lo spazio infatti si propone di far dialogare l’opera d’arte con l’oggetto di design e viceversa all’interno del progetto Finesettimana.Milano.In occasione dell’inaugurazione dei suoi nuovi spazi a Milano e per il lancio della nuova iniziativa, lo studio ospita il suo primo evento in occasione della prossima edizione di Milano Art Week. In collaborazione con la galleria Susanna Orlando di Pietrasanta, verrà presentata la mostra Komorebi a Milano di Susanna Canosa, affermata artista contemporanea spagnola con l’esposizione di opere recenti in cui l’artista presenta, attraverso le sue opere, il suggestivo tema del komorebi, l’effetto creato dalla luce che filtra tra le foglie degli alberi e che rappresenta simbolicamente la naturale attrazione dell’uomo verso i raggi di luce. Le opere saranno esposte in tutte le aree dello studio, comprese quelle specificatamente dedite alla progettazione d’interni e si relazioneranno agli arredi e allo stile brutalista dello studio. Le opere saranno esposte in tutte le aree dello studio, comprese quelle specificatamente dedite alla progettazione d’interni. La mostra e gli spazi dello studio apriranno al pubblico in occasione di Art Week 2024.
Thomas Zangaro Studio location
Da giovedì a sabato 11:00 - 19:00

COPLEY
La mostra “Copley” celebra l’eclettismo dell’artista americano William N. Copley (1919-1996), noto per essere stato uno dei punti di congiunzione tra il Surrealismo europeo e la Pop Art americana. Artista, scrittore, gallerista, mecenate, editore e collezionista, Copley sfidò le convenzioni artistiche del suo tempo, anticipando le evoluzioni dell’arte contemporanea, dalla Pop Art degli anni Sessanta al ritorno alla figurazione degli Ottanta, attraverso la sua personale “mitologia privata” di immagini e soggetti: uomini in abito e bombetta, donne nude e semi-nude, prostitute, automobili, coppie di amanti abbracciati e oggetti quotidiani estrapolati dal loro contesto. La mostra raccoglie circa venti opere tra dipinti e disegni eseguiti dall’artista tra gli anni Cinquanta e gli anni Settanta.
Tommaso Calabro location
Sabato e domenica 11:00 - 20:00

Alessandro Mendini
Triennale Milano e Fondation Cartier pour l’art contemporain presentano, nell’ambito del loro partenariato culturale, un doppio omaggio ad Alessandro Mendini, architetto, designer, artista e teorico che ha segnato le rivoluzioni del pensiero e del costume del Novecento e del nuovo millennio. Dal 13 aprile al 13 ottobre 2024, lo spazio del Cubo ospita la retrospettiva Io sono un drago. La vera storia di Alessandro Mendini, realizzata in collaborazione con Elisa e Fulvia Mendini - Archivio Alessandro Mendini, curata da Fulvio Irace, con progetto di allestimento firmato da Pierre Charpin, mentre nell'Impluvium, dal 16 aprile al 13 ottobre 2024, viene presentata un'installazione ideata, progettata e diretta da Philippe Starck.
Triennale Milano location
Da venerdì a domenica 14:00 - 19:00

TOILETALEXPAPERPRAGER
In via Balzaretti 8, trasformata nel 2022 in una vera e propria installazione urbana grazie alle grafiche oniriche di TOILETPAPER, nasce TOILETPAPER APARTMENT. Il nuovo spazio apre per la prima volta presentando l’originale progetto frutto dell’incontro tra il visionario mondo di TOILETPAPER e l’immaginario cinematografico di Alex Prager, artista, regista e sceneggiatrice statunitense. TOILETALEXPAPERPRAGER nasce dall’omonimo volume, pubblicato e distribuito dalla casa editrice Damiani: undici immagini firmate dall’artista e undici ideate da TOILETPAPER diventano protagoniste di un inaspettato allestimento. L’estetica accattivante, i colori forti e la surreale scenografia, fondendosi con le atmosfere degli spazi domestici, danno vita a un cortocircuito visivo, caratteristico del visionario mondo di TOILETPAPER.
TOILETPAPER APARTMENT location
Domenica 11:00 - 19:00

Domani
Per la nuova stagione di apertura 2024, Fondazione Augusto Rancilio ospiterà nelle sontuose sale dell’ala espositiva del piano terra di Villa Arconati, una mostra monografica sulle opere dell’artista Jacques Martinez. Sarà un percorso distribuito in cinque sale in cui l’artista accompagnerà il visitatore nella scoperta della sua arte dagli esordi fino alla maturità. La selezione di opere racchiude tutte la sua carriera artistica dalla figurazione all’astrazione, testimoniati da diverse tecniche: olio su tela, bronzi, gesso, collage, incisioni. La mostra sarà organizzata in contemporanea in altri tre luoghi espositivi: Venezia, Nizza e Lugano, luoghi significativi per l’esperienza creativa del nostro protagonista. Il numero quattro si trova anche nei temi trattati da Jacques Martinez, che saranno riuniti in Villa Arconati: astrazione, figura umana, paesaggio e natura morta. L’esposizione è densa di significato in quanto il protagonista con questa mostra vuole coronare la sua lunga carriera artistica. Il visitatore è chiamato a dialogare con le opere attraverso le parole di Martinez che si vuole svelare nel profondo attraverso il suo stile.
Villa Arconati location
Da martedì a sabato 10:30 -19:00

Home Sweet Home
Vistamare è lieta di presentare Home Sweet Home. Una mostra personale di Claudia Comte. Attraverso una serie di sculture e dipinti che si inseriscono in un’ambiziosa installazione site specific, Home Sweet Home intende instaurare una connessione fisica tra la galleria Vistamare di Milano e le colline nei dintorni di Basilea, dove Comte vive e lavora, mettendo in contrasto la natura con la metropoli, il luogo di ideazione del progetto con il suo spazio di realizzazione. Al centro della mostra, una serie di sculture organiche realizzate dall’artista, nel 2023, a partire da un singolo antico albero di Sequoia caduto vicino alla sua casa. Queste forme levigate ricordano i coralli e i cactus - collegando i biomi europei locali con i deserti e le barriere coralline e portando avanti l'esplorazione di Comte tra i delicati equilibri del mondo naturale e il declino degli ecosistemi causati dall'uomo. - Ben Broome
VISTAMARE location
Da lunedì a domenica 12:00 - 15:00 e 19:00 - 23:00

BBZR23, disegno murale temporaneo di David Tremlett
In un perfetto bilanciamento tra spazi espositivi tradizionali e alternativi all’art system, i wall drawing di Tremlett, di cui anche BBZR23 fa parte, hanno abitato, temporaneamente e non, svariate sedi in tutto il mondo.Forme geometriche, lettering, linee rette, oblique, curve, spezzettate, macchie di colore. Di questo si compone questa infinita serie eccentrica e ironica, inaugurata dall’artista a partire dagli anni Settanta e divenuta a partire dagli anni Ottanta la sua principale tecnica espressiva. Nel processo di creazione, oltre a utilizzare la pittura, Tremlett spalma la polvere di pastello su parete, lavorando i pigmenti a mani nude. Il colore viene quindi concepito come materia, in un’eco che guarda sia alla tradizione dell’affresco e della pittura murale che alla pratica scultorea, linguaggio di formazione dell’artista. Per tali ragioni, i wall drawing si collocano in un territorio ibrido, tra rappresentazione astratta e presentazione della realtà. Nel caso di Zazà Ramen, l’intervento è doppio, regolare e asimmetrico al tempo stesso.
Zazà Ramen location
Da giovedì a domenica 11:00 - 19:00

Micol Assael - Dusty Landscapes. Hans Schabus - Porto di Mare
Mostra personale Micol Assael; mostra personale Hans Schabus.
ZERO… location